Brillante luz de Sorolla en el Prado (final)

Quería hacer un aparte en la muestra de Joaquín Sorolla en el Museo Nacional del Prado de Madrid, de los 14 monumentales paneles "Visión de España", que realizó para los muros de la Biblioteca de la Hispanic Society, uno de sus últimas obras, que lo consagró definitivamente como un pintor de talla universal. Las enormes dimensiones te convierten en un ser minúsculo frente al poder de la historia traducida en imágenes grandiosas. A pesar, según mi opinión del "folclorismo" y atiborramiento en las representaciones de algunas de las provincias, fruto del propio encargo, las obras en su conjunto son extraordinarias. La mayoría me parecieron piezas grandiosas, para enmarcar, en el enorme catálogo que nos dejó para la historia del arte. Me encantaron sobre todo "Ayamonte. La pesca del atún" y "Andalucía. El encierro" con una composición y un ritmo visual impresionante.

Espero con estas pequeñas notas, haber podido trasmitir los aspectos esenciales de esta amplia exposición, sobre todo a aquellos que no tienen la posibilidad de visitarla. Por nuestra parte, hemos salido totalmente satisfechos del esfuerzo del Museo del Prado por reunir a través de varias colecciones del mundo, todo el potencial pictórico de Joaquín Sorolla.

Saludos, Nos vemos pronto!













Relación de Obras:
01- Cartel Expo de Sorolla. Museo del Prado. Junio 2009
02- Joaquín Sorolla pintando "El Mercado" en Extremadura.
03- La Colección "Visión de España" en la The Hispanic Society of America (HSoA). NY
04- Joaquín Sorolla. "Ayamonte. La pesca del atún", 1919. Col. HSoA. NY
05- Joaquín Sorolla. "Andalucía. El encierro", 1914. Col. HSoA. NY
06- Joaquín Sorolla. "Extremadura. El mercado", 1917. Col. HSoA. NY
07- Joaquín Sorolla. "Aragón. La jota", 1914. Col. HSoA. NY
08- Joaquín Sorolla. "Sevilla. El baile", 1914. Col. Col. HSoA. NY
09- Joaquín Sorolla. "Sevilla. Los nazarenos", 1914. Col. HSoA. NY
10- Joaquín Sorolla. "Sevilla. El baile", 1914. Col. HSoA. NY

Enlaces relacionados:
Página oficial de la Exposición en Museo del Prado >>
The Hispanic Society of America >>
Joaquín Sorolla en Wikipedia >>
Museo Sorolla. Madrid >>

Brillante luz de Sorolla en el Prado (I parte)

Desde hace una semana Joaquín Sorolla, (Valencia, 1863 - Cercedilla, 1923) está de visita en el Museo Nacional del Prado de Madrid y aprovechamos para acercarnos tras la expectativa que tenía con la muestra y de paso como ya había comentado anteriormente, saldar una deuda personal con su obra.

La retrospectiva que reúne 102 pinturas, recorre la mayor parte de la trayectoria del importante pintor valenciano. Dos cosas me parecieron notables: el enorme talento que mostraba desde edades tempranas (premios importantes incluidos) y que a pesar de algunos comentarios que he leído a propósito de la muestra, lo sigo considerando un auténtico impresionista en todos los sentidos. Quizás la temática pueda influir en ello, pero la idea de captar un momento, un instante; salir del estudio, coger la paleta, los lienzos y pinceles y salir a exprimir lo más puro de la luz solar y justo en el mar donde posiblemente más brille, unido a la gestualidad, las pinceladas ondulantes y la densidad de los empastes, creo que son más que sobradas evidencias que no andaba nada alejado de los pasos impresionistas.

Es significativo y curioso, la influencia que tuvo la naciente fotografía en toda su obra (justificado por la amistad con Juan Antonio García, hermano de su futura esposa) sobre todo en sus ángulos inclinados, figuras, "encuadres" de los elementos bruscamente cortados, la diferencia entre los planos y la utilización de exageradas, espectaculares y muchas veces claustrofóbicas perspectivas que atacan y comprometen al espectador. Otro de los posibles "prestamos" fotográficos que pude notar es el uso de escenas con saturación de blancos en muchas de sus pinturas. Blanco con blanco sobre blanco resulta una mezcla extrañamente atractiva, compleja y original.

Nos vemos pronto!
Saludos, salud y suerte

(continuaré próximamente con un comentario sobre los paneles "Visión de España" presentes también en la exposición)

PD: Disculpen la falta de entregas últimamente, pero estoy recibiendo un curso de Flash y apenas me queda un poco de tiempo los fines de semana para todas las tareas)

















Relación de Obras:
01- Joaquín Sorolla. "El baño del caballo", 1909. Museo Sorolla. Madrid
02- Joaquín Sorolla. "Chicos en la playa", 1909. Museo del Prado. Madrid
03- Joaquín Sorolla. "Paseo a la orilla del mar", 1909. Museo Sorolla. Madrid
04- Joaquín Sorolla. "¡Aún dicen que el pescado es caro!", 1894. Museo del Prado. Madrid
05- Joaquín Sorolla. "Trata de blancas", 1895. Museo Sorolla. Madrid
06- Joaquín Sorolla. "Cosiendo la vela", 1896. Museu Civici di Venezia
07- Joaquín Sorolla. "¡Triste herencia!", 1899. Colección Bancaja. Valencia
08- Joaquín Sorolla. "Sol de la tarde", 1903. The Hispanic Society of America. NY
09- Joaquín Sorolla. "Desnudo de mujer", 1902. Colección particular
10- Joaquín Sorolla. "Antonio García en la playa", 1909. Museo Sorolla. Madrid

Enlaces relacionados:
Página oficial de la Exposición en Museo del Prado >>
Joaquín Sorolla en Wikipedia >>
Museo Sorolla. Madrid >>

El desgarro de Francis Bacon en el Prado (final)

- Para Pilar Álamo con mucho cariño -

Continuación de la primera parte >>

La muerte fue casi una obsesión en las pinturas de Francis Bacon, mucho más al tocarle de cerca, incluyendo el suicidio de uno de sus amantes a muy pocos días de una de las primeras retrospectiva con que le honrarían. Como ateo, insistía en que no había "un más allá" y muchas obras señalan ese pequeño paso que separa la vida del inevitable momento de la muerte.

Otra parte interesante es su metodología de trabajo, sobre todo a partir de fotografías, tanto recortes de prensa, fotografías por encargo, o suyas propias, utilizó como referencia, al extremo de preferirlo a los propios modelos en vivo (ver imagen 02). En el caso de los estudios de los retratos del Papa Inocencio X se basó siempre en fotografías y aunque tuvo la posibilidad de ver el original frente a frente, por temor o por respeto prefirió siempre las reproducciones.

Muchas referencias, influencias, retazos, hay en los cuadros de Bacon. Se sabe que de su admiración de Velázquez, Goya, el Greco partieron muchas de sus ideas o inspiración técnica. De los contemporáneos, de Picasso recibió la inyección para cambiar sus oficios anteriores por la pintura y de Amedeo Modigliani, compartía muchas cosas. Personalmente me recordaron o asociaron varias obras o artistas como las vacas degolladas de Rembrandt, el gesto espontáneo y el trazo lineal de Wifredo Lam, las descomposiciones de los cubistas. Bacon se impregnó de todo el enorme recorrido histórico pero también con su particular técnica y visión nos dejó una original obra que sirvió de base para artistas posteriores.

Como me sucede muchas veces no me decanto por ninguna obra, puedo decir que me han gustado todas sus etapas, todos los cuadros, todos los temas. Su caótica, claustrofóbica y desgarradora visión del mundo es justo lo que vivió y que mostró en sus lienzos sin prejuicios con total naturalidad. Eso es admirable. Si por otro lado técnicamente ves un gesto y tratamiento personal e inconfundible, estamos ante la particular visión de otro genio de la pintura. Eso es aún más admirable.

La interminable línea de tiempo de la historia del arte se cerró una vez más. Años atrás él admiraba a los viejos maestros en las paredes del Prado. Hoy nos ha tocado reverenciar a otro maestro: Francis Bacon.

Saludos, Salud y Suerte
¡Nos vemos pronto!













Imágenes: (Amplíe las imágenes dando click encima de las miniaturas)
01- Francis Bacon. "Tres estudios para un autorretrato", 1979. Óleo sobre lienzo, 37.5 x 31.8 cm (cada una). Nueva York, The Metropolitan Museum of Art. The Jacques and Natasha Gelman Collection.
02- Fotomontaje con material del estudio de Bacon, 7 Cromwell Place, c. 1950
03- Francis Bacon. "Retrato de Isabel Rawsthrone de pie en una calle de Soho", 1967. Óleo sobre lienzo, 198 x 147.5 cm. Berlín, Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie.
04- Francis Bacon. "Tríptico inspirado por el poema de T.S. Eliot “Sweeney Agonistes”. 1967. Óleo sobre lienzo, 198 x 147.5 cm. Washington D.C:, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution. Gift of the Joseph H. Hirshhorn Foundation.
05- Francis Bacon. "Tríptico en memoria de George Dyer", 1971. Óleo sobre lienzo, 198 x 147.5 cm (cada uno). Basilea, Fondation Beyeler.
06- Francis Bacon. "Tríptico agosto 1972". 1972. Óleo sobre lienzo, 198 x 147.5 cm (cada uno). Londres, Tate.
07- Francis Bacon. "Tríptico". 1987. Óleo sobre lienzo, 198 x 147.5 cm. Londres, The Estate of Francis Bacon, por cortesía de Faggionato Fine Arts, Londres.
08- Francis Bacon. "Tríptico". 1991. Óleo sobre lienzo, 198.1 x 147.6 cm (cada uno). The Museum of Modern Art. NY. William A. M. Burden Fund and Nelson A. Rockefeller Bequest Fund.

Enlaces relacionados:
Sitio oficial de Exposición Museo del Prado (incluye vídeo) >>
Francis Bacon en Wikipedia >>

El desgarro de Francis Bacon en el Prado (I)

Llegó el día y hemos visitado la retrospectiva de Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 1909 –Madrid, España, 1992) en el Museo Nacional del Prado. Todavía siento en el cuerpo su crudeza y energía, casi seguro que durará toda la vida. Sesenta obras de tanta fuerza desde las primeras hasta algunas de las últimas dan para mucho. Sales conociendo más el espíritu Bacon, esas partes oscuras y difíciles con las que tuvo que lidiar y que fueron el germen de su pensamiento y su arte.

Las devastadoras consecuencias de la guerra y la postguerra, su condición sexual y visión de la realidad marcaron su pintura, tanto como marcaron su vida. El poder, la crueldad, el desespero, la violencia y la muerte unido a sus propios padecimientos fueron una mezcla explosiva que no tardó en detonar en sus cuadros y lo retrató, como pocos. Los cuadros vistos en el Prado, son como las mejores fotografías de la época.

La exposición nos hace recorrer las varias etapas de su obra y ver como se recicló varias veces, retomando los temas que había abordado en épocas anteriores, incorporando las crudas lecciones, la experiencia y las marcas del transcurso de los años.

En la muestra recorremos todos sus temas como la crucifixión, el desnudo, el retrato y el autorretrato. Llama la atención la constante utilización del tríptico como formato, difícilmente en un solo cuadro podría brindarnos todo el potencial creativo que quería, quizás por la influencia fotográfica o cinematográfica.

(continuará)









Imágenes:
01- Entrada a Exposición de Francis Bacon. Museo del Prado. Madrid. Foto: YOel Almaguer.
02- Francis Bacon. "Tres estudios de figuras al pie de una Crucifixión". c. 1944. Óleo sobre tablero, 94 x 73.7 cm (cada tabla). Londres, Tate. Presentada por Eric Hall 1953.
03- Francis Bacon. "Chimpancé". 1955. Óleo sobre lienzo, 152.5 x 117 cm. Stuttgart, Staatsgalerie.
04- Francis Bacon. "Niño paralítico andando a gatas". 1961. Óleo sobre lienzo, 198 x 142 cm. La Haya, Colección Gemeentemuseum Den Haag.
05- Francis Bacon. "Tres estudios para una Crucifixión". 1962. Óleo sobre lienzo, 198.2 x 144.8 cm. Nueva York, Solomon R, Guggenheim Museum.

Enlaces relacionados:
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Francis Bacon en Wikipedia >>

Francis Bacon regresa a Madrid

Ha llegado la fecha y Francis Bacon vuelve a ser noticia... El pintor que nos habla de la muerte, del suicidio, nos retrata desgarradoramente tal como somos: vive y se pasea -como de costumbre- desde el próximo día 3 de febrero, por las salas del Museo del Prado de Madrid y estará con nosotros cuando pronto, muy pronto, visitemos su retrospectiva.

Hoy El País nos regala el recuerdo de una entrevista que le realizó el escritor y periodista Juan Cruz en el año 1991. Una conversación increíble, donde se ve el mejor retrato posible del pensamiento y la personalidad de Bacon, su posición ante el arte, los artistas, sus obras, la realidad y su realidad, la subjetividad y mucho más... Altamente recomendable y para que el regalo sea mayor nos permiten descargarla en PDF, tal como fue editado en su momento, sin dudas, una joya de hemeroteca, un excelente aperitivo a lo que nos espera.

Les dejo una comparativa de dos obras, la original de Velázquez y uno de los estudios que realizó Bacon sobre la obra y que gracias a la entrevista, conozco como curiosidad que no quiso conocer el lienzo original en una visita a Roma, sino que los realizó a partir de reproducciones... Solo un genio podía interpretar una obra como esa y recontextualizarla magistralmente con tanto acierto.

Pronto visitaremos la muestra, así que podrán conocer mi opinión de una exposición que esperaba con impaciencia.

Saludos, Salud y Suerte. ¡Nos vemos pronto!

Imágenes:
01- Francis Bacon. "Estudio del retrato del Papa Inocencio X de Velázquez", 1953. Óleo sobre lienzo. Colección del Des Moines Art Center
02- Diego Velázquez. "Retrato de Inocencio X". 1650.
Óleo sobre lienzo. Galería Doria Pamphili, Roma.

Enlaces relacionados:
Post de Juan Cruz en su blog "Mira que te lo tengo dicho" >>

Datos de la Exposición:
Francis Bacon
Lugar: Museo Nacional del Prado, Madrid.
Fecha: 3 de febrero – 19 de abril 2009
Comisaria: Manuela Mena.
web oficial: www.museodelprado.es

Los nuevos ojos del Prado

El Museo Nacional del Prado de Madrid se ha convertido en el primer museo del mundo en facilitar imágenes de "super alta resolución" (14 gigapixels) de algunas de las más importantes obras de su colección, en colaboración con el gigante Google. La noticia ya no es nueva, pero desde que lo dieron a conocer, he podido disfrutar de los impresionantes detalles que se muestran en ellos.

Siempre decimos que no hay nada como ver las obras frente a frente, pero hay que valorar como excelente el trabajo que han realizado, ya no solo para los que no pueden visitar el Prado, sino a aquellos que lo hacemos, pero que regularmente por normativas ¿lógicas? de seguridad, no nos dejan acercarnos a esos 10-15 cm a "comernos" los cuadros, para fijarnos en el sentido y el ritmo de la pincelada, el grosor de la pasta y las diferentes texturas que con tanto esfuerzo dejaron los genios para nosotros. En otras ocasiones por las dimensiones de los cuadros es imposible poder ver aquellos fragmentos que quedan lejos de nuestro alcance visual.

En cuanto a las imágenes que les muestro, he escogido uno de los detalles en los cuales la mayoría de las oportunidades me detengo: los ojos. Siempre he sido un apasionado de esa parte del rostro que muchas veces es el espíritu de la obra, muestra la psicología de los personajes y sirve al artista como recurso para crear complicidad y dialogar con el espectador. Así que les dejo con un recorrido por algunos de los nuevos ojos del Prado, esos que gracias a la iniciativa podemos tener a nuestro alcance en cualquier momento. No se pierdan las ampliaciones de las fotografías y si pueden, mejor aún, consultarlas en Google Earth.

¡Nos vemos pronto!
Saludos, Salud y Suerte

Imágenes:
01- Roger van der Weyden. El Descendimiento. h-1435. Óleo s/ tabla
02- Alberto Durero. Autorretrato. 1498. Óleo s/ tabla
03- Rafael Sanzio. El Cardenal. h-1510. Óleo s/ tabla
04- El Greco. El caballero de la mano en el pecho. h-1580. Óleo s/ lienzo
05- Rembrandt van Harmensz. Artemisa. 1634. Óleo s/ lienzo
06- Pedro Pablo Rubens. Las tres Gracias. h-1635. Óleo s/ tabla
07- Diego Velázquez. La familia de Felipe IV, o Las Meninas. h-1656. Óleo s/ lienzo
08- Giambattista Tiepolo. Inmaculada Concepción. 1767-1769. Óleo s/ lienzo
09- Francisco de Goya. El 3 de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío. 1814. Óleo s/ lienzo

© Museo del Prado/Google

Enlaces relacionados:
Página dedicada a la colección en el Museo del Prado >>
Descarga de Google Earth (software necesario) >>
Acceso a las obras Google Maps (sitio promocional) >>
Making of de la realización de las fotografías >>

Historias de Rembrandt en Madrid - II (Final)

continuación de la primera parte >>

Otra historia de la exposición "Rembrandt. Pintor de Historias" que comenzamos ayer, es el atrevimiento (quizás ya permitido para un pintor de su celebridad en la época) de las obras de su última etapa, ya poco le importaba el resultado final en las áreas que poco aportaran al concepto general, solo las esbozaba, las planteaba con amplias y abiertas pinceladas, para concentrarse en las zonas donde la luz era más intensa, las pastas más gruesas y sobre todo donde quería destacar la carga psicológica, una de las razones que convierten a Rembrandt en uno de los artistas imprescindibles. En su momento imagino -solo imagino- se viera como simples descuido o abandono del pintor hacia los detalles menos importantes, pero muchas veces la expresión y la gestualidad espontanea nos recuerda que el arte se recicla y pensando en voz alta puedo decirles que mucho me recordó el espíritu impresionista que paradógicamente escandalizaría al mundo siglos después.

Otra historia es su influencia de Peter Paul Rubens (Alemania 1577- Bélgica 1640), otro genio. Sobre todo en "La Sagrada Familia con ángeles" (1645) se tiene la posibilidad de comparar una al lado de la otra el tratamiento que ambos artistas le dieron a la misma escena. Creo que en injusto juzgar cual de las obras es mejor o por lo menos más atractiva; aunque separado el esplendor de ambos por pocos años, fueron momentos y olores diferentes. Solo se puede agradecer tener la posibilidad de confraternizar ambas ideas de composición y estructuras, colores, luces y psicología.

Tal vez las historias contadas, no sean las que se definen en el título de la exposición, solo quería poner aquellas que llamaron mi atención. Ya comentaba tiempo atrás, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt. Pese a los tropiezos en el museo, para mí Rembrandt es más grande, aún más grande. No por gusto al salir ya no llovía, Rembrandt será siempre sinónimo de luz y color.





Imágenes:
01- "Descanso en la huida a Egipto", 1647. Óleo sobre tabla
Colección National Gallery of Ireland. Dublín.

02- "La Sagrada Familia con ángeles", 1645. Óleo sobre lienzo
Colección The State Hermitage Museum, San Petersburgo.

03- "Betsabé". 1654. Óleo sobre lienzo
Colección Musée du Louvre, París

04- "El apóstol Bartolomé". 1657. Óleo sobre lienzo
Colección The Timken Museum of Art, San Diego, CA.

05- "Autorretrato como Zeuxis o como Demócrito". 1667-68. Óleo sobre lienzo
Fundación Corboud Colonia, Wallraf-Richartz Museum

Imágenes tomadas de web de la Exposición del Museo del Prado y otras fuentes

Enlaces relacionados:
Sitio oficial de la Exposición. Museo Nacional del Prado. Madrid >>
Rembrandt en Wikipedia >>
Pinturas de Rembrandt >>

Historias de Rembrandt en Madrid - I

Después de posponer muchas veces la visita, el pasado sábado fuimos a la exposición "Rembrandt. Pintor de Historias" en el Museo del Prado de Madrid, bueno esta vez podemos decir: en un decepcionante Museo del Prado. Hasta algunos de sus empleados se mostraban abrumados por tal desorganización y maltrato al impaciente público, para colmo en una mañana de inoportuna lluvia fría madrileña y al precio de 8 euros. Imaginamos que sería mucho peor para aquellos que al salir nosotros, esperaban en la enorme fila como hormigas sedientas de devorar el arte. Disculpen la introducción extra artística pero no podía dejar de comentarlo desde mi humilde tribuna, tratándose de un museo tan prestigioso. Esta fue la primera historia de la exposición. Lamentable. Pero siempre nos quedaba Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Leiden 1606 - Amsterdam 1669). Cuando sales de la exposición, sabes que era una cita a la que no podías faltar, que las verdaderas historias estaban en los cuadros, en las historias contadas por una de las manos más prodigiosas de la Historia del Arte, del holandés más universal.

Otra historia que vas descubriendo es cuanto talento innato guardaba el gran Rembrandt. Solo un genio es capaz con tan corta edad realizar cuadros de tanta madurez. Sus autorretratos de joven ya auguran obras de una reflexión interior poco común. El resto de las obras son igualmente increíbles para su edad. Les confieso que como nunca antes me había detenido obra por obra asombrándome de la fecha de los cuadros. Asombrense también: "La Lapidación de San Esteban" (1625), "La expulsión de los mercaderes del templo" (1626), "La discusión entre San Pedro y San Pablo", (1628); "Judas devolviendo las 30 monedas de plata" en 1629 ya con sus amarillas luces y contraluces, "Jeremías lamentando la destrucción de Jerusalén" (1630), ... "Artemisa", 1634!! si, esa única obra de la colección de El Prado la realizó con apenas 28 años. No insisto para no agobiarlos con fechas, solo que esta vez los datos no son insignificantes, son muestra evidente de la precocidad de Rembrandt.

Otra historia son sus soportes y medios: No imaginé que utilizará la tabla como soporte durante tanto tiempo, sobre todo en sus trabajos iniciales, su gusto y dominio fue tan grande que más adelante repitió muchas veces. Fue capaz de sacarle a la madera tanto como a los lienzos. Pequeñas o grandes las telas, ya son conocidas y reconocidas, al igual que sus grabados - aguafuertes o punta seca en la exposición- donde la factura de las obras es fuente de inspiración para los artistas posteriores. Pero sus trabajos en madera me sorprendieron gratamente.

Por lo extenso de mis consideraciones, he preferido dividir en dos post el desarrollo de las historias. Espero nos acompañen, así que...

¡Mañana Más!
Saludos, Salud y Suerte!







Imágenes:
01- Cartel exterior de la Exposición. Museo del Prado, 2009
02- "Autorretrato con traje oriental", 1631. Óleo sobre tabla.
Colección Musée des Beaux Arts de la Ville de Paris
03- "La discusión entre San Pedro y San Pablo". 1628. Óleo sobre tabla.
Colección The National Gallery of Victoria, Melbourne.
04- "Jeremías lamentando la destrucción de Jerusalén", 1630. Óleo sobre tabla.
Colección Amsterdam, Rijksmuseum
05- "Artemisa", 1634. Óleo sobre lienzo.
Colección Museo Nacional del Prado, Madrid.
06- "El banquete de Baltasar", 1635. Óleo sobre lienzo.
Colección Londres, National Gallery.

Enlaces relacionados:
Sitio oficial de la Exposición. Museo Nacional del Prado. Madrid >>
Rembrandt en Wikipedia >>