Artistas, geniales obras y nuevos movimientos emergieron justo antes del comienzo de la guerra, pero el inicio de la guerra provocó una inmediata reacción en el mundo del arte aunque con posiciones encontradas. En la muestra están presentes las principales firmas del momento Paul Klee, Vasili Kandinski, Constantin Brâncuşi, Marc Chagall, Umberto Boccioni, Franz Marc, Fernand Léger, entre otros.
Una explosión de bombas y como respuesta ¡una explosión de arte!
Datos de la Exposición: ¡1914! La Vanguardia y la Gran Guerra. Lugar: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid. Fecha: Del 7 de octubre de 2008 al 11 de enero de 2009 Comisario: Javier Arnaldo, conservador del Museo Thyssen-Bornemisza
Imágenes: Promoción de la exposición en el lateral del Museo y en Paseo de la Castellana
Paseando por el Paseo del Prado de Madrid hemos podido disfrutar, por medio de la Obra Social de Caja Duero, de las excelentes obras del escultor zamorano Baltasar Lobo (1910-1923). En todo el recorrido dialogas con las piezas que parecen realizadas originalmente para el lugar, pero que ya han sido expuestas en Valladolid, Sevilla y Lisboa, la capital portuguesa.
Lobo es uno de los más importantes escultores españoles del siglo veinte, a pesar de que su notoriedad y la mayor parte de su vida transcurriría en París, donde precisamente compartió taller con Pablo Picasso, de quien asimiló su síntesis por la forma, al igual que de Brancusi, de quien también se le reconocen influencias formales.
Las 16 esculturas tocan, como en la mayoría de su trayectoria artística, el tema de la belleza del cuerpo femenino y la maternidad en obras de mucha limpieza visual y donde el bronce como material refuerza la idea de sensualidad, a la vez que las dota de mucha fuerza y contundencia.
Con el inicio del otoño, nada mejor que darse una caminata por el conocido como "Paseo de Arte de Madrid" que incluye los Museos del Prado, Reina Sofía, Thyssen-Bornemisza, CaixaForum y al que próximamente se le unirá la Fundación MAPFRE. Un paseo reconfortante donde hemos tenido la sorpresa de encontrarnos con las buenas esculturas de Baltasar Lobo.
Siempre que visito el Museo Nacional Reina Sofía, no puedo alejar de mi cabeza la tentación de disfrutar de la escultura de Joan Miró que les presento en la fotografía. Más conocido como pintor, durante toda su vida demostró también su enorme talento en las obras tridimensionales.
Imagino que junto al famoso "Guernica", esta escultura de Miró sea probablemente las obra de más orgullo de toda la colección del Museo, con la ventaja de que al contrario de la obra de Picasso por las restricciones de seguridad, es mucho más cercana y participativa para todos al estar ubicada en su acogedor patio interior . Es una obra aplastante y tierna a la vez y juega muy bien con los espacios y volúmenes, sin abandonar nunca su singular estilo. ¡Una maravilla!
El próximo sábado estaremos de vuelta al Museo Reina Sofía para ver la exposición "Maquinas & Almas" que de seguro comentaremos. Seguro que volveré a acercarme una vez más a esta imprescindible escultura.
Gracias a Draw!, uno de los mejores blogs sobre ilustración, he conocido la original obra de Irma Gruenholz, la cual valiéndose de un recurso tan cercano a todos como la plastilina, nos regala preciosas piezas llenas de volumen y color.
Pocos datos he podido encontrar sobre la artista. En la breve presentación de su web personal señala que aparte de sus creaciones personales, realiza ilustraciones para revistas, libros y para el campo de la publicidad. Todo lo demás que podemos ver en su web son sus maravillosas ilustraciones.
Entre ellas puedo destacar las ilustraciones que les muestro, una lectura personal con guiños humorísticos pero respetuosos de obras significativas de la Historia del Arte. En ellas, como en el resto de sus obras demuestra que con buen oficio no hay material que se pueda menospreciar, todo lo contrario, puede ser aprovechado para lanzar al aire imágenes diferentes y enriquecedoras.
Ese recurso que tanto usamos cuando pequeños, del que salen de nuestras manos tantas criaturas llenas de plasticidad, nobleza y ternura y que podemos ver solo como un juego infantil, ha servido a Irma Gruenholz para abrirse un espacio entre lo más destacado de la ilustración actual.
Imágenes: 01- Ilustración de Irma Gruenholz. 02- Fragmento deLa familia de Felipe IV, 1656.Diego Velázquez. 03- Ilustración de Irma Gruenholz. 04- Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, 1434. Jan van Eyck
En el artículo introductorio sobre el matte painting de nuestro magazine, mencionaba a Dylan Cole como uno de los artistas imprescindibles de esta técnica meramente cinematográfica. Hoy en la revista Arte y Diseño por ordenador he podido leer una extensa entrevista con este maestro que con tan solo 28 años ya cuenta con un curriculum espectacular.
Cuenta que entre sus diferentes proyectos, su preferido ha sido "El Retorno del Rey" de la trilogía de "El Señor de los Anillos", su primer gran reto profesional, pero en el que precisamente más pudo aprender por el equipo de creativos y técnicos con el que pudo compartir trabajo. Es significativa su confesión de que al inicio se negaba a usar recursos digitales para sus pinturas y paradojicamente en la actualidad considera que: "Photoshop es mi principal herramienta y no puedo imaginarme trabajando sin él. No existe otra cosa tan potente y versátil".
En cuanto al aspecto técnico Cole explica que las obras son una mezcla de manipulación fotográfica y pintura digital, unidas a veces con miniaturas reales. Comenta que no se encasilla solo en la producción cinematográfica, sino que alterna con spots publicitarios como la premiada campaña "La Fábrica de la Felicidad" de Coca Cola, trabajos para videojuegos, carteles, series de televisión, entre otras.
En esta ocasión en la información visual del post, he querido combinar el spot completo al que hacía referencia, acompañado con imágenes de los matte painting de su producción. Seguro reconocerán lo imprescindible en el resultado final del trabajo de Dylan Cole.
Dentro de la corriente feminista de los años 60 y 70, una de las figuras más destacadas fue Judi Chicago -Judi Cohen- (Chicago, 1932), quien con su personalidad y la fuerza de su obra, trascendió la frontera del arte con sus planteamientos conceptuales sobre la dominación patriarcal y la identidad de la mujer.
Entre sus piezas, la más conocida es "La Cena" (The Dinner Party), que destacaba el papel tradicional femenino a través de enormes manteles bordados, platos meticulosamente servidos y sobre todo con la preciosidad en los detalles de la instalación y en la cual precisamente muchas voluntarias contribuyeron a su terminación.
Sus planteamientos fueron avalados por unos y cuestionados por otros, pero lo que no cabe dudas es que la obra de Judi Chicago sentó un precedente importante en el arte y en la sociedad posterior. Y nos dejó servido para siempre una apetecible cena: histórica y genial.
Imagen: La Cena (The Dinner Party). 1979, Judi Chicago. Brooklyn Museum, New York, USA. Tomado de Archivo de imágenes de www.greenwichacademy.org
En la lectura del arte del siglo XX, uno de los escultores imprescindibles es sin dudas George Segal(New York, 1924-2000). Con una poética callejera y cercana al entorno menos favorecido por las grandes urbes, sus personajes fríos y toscos creados con moldes de yeso al natural se hicieron notorios rápidamente, considerándose de hecho un antecedente importante para el arte Pop que llenaría las galerías en años posteriores.
Sus piezas son una pausa, un instante en las personas cotidianas casi siempre incomunicadas, distantes y anónimas, incluso cuando más adelante fue incorporando color tanto a los objetos y situaciones de su entornos como monocromos a las propias figuras.
El existencialismo presente en las obras de George Segal, enredan y comprometen al espectador en el tejido de su época. De ahí que a sus instantáneas le queden mucho de vida.
Imágenes: 01 -"Depression Bread Line", 1999. Bronce. George Segal. Fotografía: sgclark. Tomado de Flickr 02 - "Gay Liberation", Sharidan Square, NY. George Segal Fotografía: pundit. Tomado de Wikipedia
Una de las grandes galerías del mundo que apuesta por el arte nuevo, es la Saatchi Gallery de Londres. En sus espacios se expone la más joven vanguardia del arte británico e internacional.
No obstante, si por algo ha despertado el interés en los últimos años es por su Galería Online, un gran escaparate de promoción y venta de todos los artistas del mundo. Existen muchos webs, portales y galerías online dedicadas al arte, pero la Saatchi Gallery Online es probablemente la que más lejos ha podido llegar. El prestigio de su museo y la enorme cantidad de portafolios de pintura, escultura, fotografía, arte digital, entre otros que se agregan diariamente, le ha permitido establecerse con jerarquía sobre los demás, al mismo tiempo que galeristas, coleccionistas, interesados o curiosos, se interesen por las obras que ahí se muestran. Cualquier artista puede subir sin costo alguno sus obras en un ejercicio democrático poco común en galerías de su renombre.
Si tienes interés en promocionar tu obra, no dudes en inscribirte ahora mismo en Saatchi Online.
En esta primera reseña del arte joven tunero quiero comentarles particularmente de Yamila Comas (1974), una de las más sobresalientes figuras de la pintura que en días recientes ha inaugurado exposición personal en las paredes de la galería de la UNEAC de la ciudad. Su obra la he visto crecer entre periodos largos de tiempo, y he podido comprobar la seriedad con que la asume y la personalidad que ha logrado insertarle a sus piezas.
Cada una de ellas parece contarnos una historia, son pequeños relatos infinitos cargados de simbolismo en espacios inusuales. Son metáforas extrañas de lo humano, lo divino, la soledad y la compañía, de las contradicciones de lo sensual y sexual. Sus protagonistas son por lo general figuras hieráticas que transmiten el sinsabor de la tristeza y el sufrimiento femenino a través de un tratamiento "matissiano" de color y textura. Son monólogos dedicados al cuerpo, a lo físico y metafísico, a los desgarradores momentos de la tortura y el dolor de la soledad.
Es la pintura de Yamila Comas, serena, madura e intelectual, terrenal y casi esquizofrénica, con un lenguaje personal que apenas nos deja disfrutar de su buen oficio por el poder de su mensaje y el impacto de su simbología. Es por tanto desgarradora en su aspecto e imprescindible en su expresión, como la lectura de un diario sobre la sobrevivencia del ser. Esperamos mucho en su futuro.
Imágenes: 01- Sin Título. 2008. Acrílico sobre lienzo. Yamila Comas 02- El lado oscuro, 2008. Acrílico sobre lienzo. Yamila Comas 03- Sin Título. 2008. Acrílico sobre lienzo. Yamila Comas
Ya muchos conocerán que de sangre de Las Tunas están conformadas mis venas.
Entre 1989 y 2005, complementaba el desarrollo de mi obra artística con la de profesor de arte en la ciudad, una profesión sacrificada y arriesgada, pero que siempre ofrecí con pasión y entrega, con la mayor recompensa de poder entregar y compartir con los nuevos todo lo que tenía para dotarlos sobre todo de las herramientas, conocimientos, pensamiento crítico, apreciación visual y en parte carencias que había tenido en mi formación. De los estudiantes-amigos y de esa etapa siempre guardo buenos recuerdos y enorme satisfacción sobre todo de aquellos que han logrado más adelante labrarse una trayectoria artística creativa y personal. Del arte joven, virgen y menos contaminado espero siempre tener la misma opinión que entonces. Siempre será un arte transgresor e imprescindible, con nuevos retos y visiones. Ojalá este magazine sirva para promocionar y estimular el arte joven, ese que no ha llegado (por lo menos por el momento) a las grandes galerías y museos y no se mueve por los grandes circuitos del mercado del arte que por un lado permiten universalizar, "re-valorizar" y favorecer al artista y que por otro muchas veces desfavorece a la obra. Ya en la introducción del blog artetuyo que dedico a mi obra digital expuse mis consideraciones sobre el tema.
A Las Tunas, al arte joven tunero, dedicaré cada vez que pueda, una parte de este espacio para en lo posible reconocer el trabajo de aquellos que comienzan con energía y talento.
¡Mañana más!
Imagen: Fuente de las Antillas. 1977, Rita Longa. Fotografía: YOel Almaguer
"La noche estrellada", una de las obras cumbres de Vincent Van Gogh ha sido de punto de partida para la exposición que el domingo pasado abrió las puertas en el MOMA de New York. Cerca de 30 obras entre pinturas y dibujos conforman la original selección dividida en cuatro temas: Paisajes tempranos, Vida campesina, Siembra y Campos de trigo yPoesía de la Noche.
La exposición es una oportunidad para ver también esa maravilla que es "Los comedores de patatas" del que también incluyen algunos bocetos y pinturas que rodearon su creación. Las noches de Van Gogh se convierten muchas veces en protagonistas de un estado de ánimo, de un modo de vida, son el llanto y a la vez la belleza de la vida. Las noches de Van Gogh son calma y violencia, inspiración y desahogo, estrellas y cielo, color y pasta pura.
Para aquellos que no podemos acercarnos a la exposición, el MOMA nos regala una excelente web con los textos e imágenes para mostrarnos los detalles de las noches brillantes de Vincent Van Gogh.
"Julian Schnabel. Pinturas 1978-2003" en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro madrileño, es otra de las exposiciones visitadas anteriormente que he querido comentarles como pretexto para hablar de la obra de este grande de la pintura norteamericana. Grande él, enorme sus cuadros, gigante su obra.
Cuando se profetizaba el fin de la pintura, con la aparición de los minimalistas y conceptualistas, apareció como por arte de magia el poder y el empuje de Schnabel, quien sobre todo inspirado en los mosaicos de Gaudí, comenzó a utilizar fragmentos de platos colocados como fondo de los cuadros, para levantar una vez más la energía de la pincelada en las grandes superficies. Cualquier soporte le era útil para soltar sus emociones con el color. La discontinuidad, la fragmentación en la cultura y en la vida son sus temas recurrentes. Así fue labrando poco a poco el camino con el que la pintura volvió a respirar. Cada época necesita un tipo de arte y un tipo de artista y Julian Schnabel entró en escena justo cuando más se necesitaba.
Propio de su inconformismo habitual, como si no le bastara con sus descomunales lienzos que te hacen sentir pequeño, diminuto ante la violencia gestual de su obra, en los últimos años, además de su pintura,ha logrado insertarse con éxito en el mundo del cine como uno de los más talentosos directores internacionales. Si es así, seguiremos entonces esperando, a estas alturas de su vida, novedades de Julian Schnabel.
Imagen: Large Girl with no Eyes, 2001. Julian Schnabel
Una de las intenciones que me propuse al iniciar el blog es ir comentando poco a poco no solo las exposiciones del momento, sino aquellas que por su relevancia he tenido la posibilidad de visitar en los últimos tiempos, sobre todo en Madrid.
Ese es el caso de la exposición que pudimos ver el año pasado en el Museo Thyssen-Bornemisza del artista fotorrealista norteamericano Richard Estes(Illinois, 1932) . Si agregamos las exposiciones de Chuck Close del que debo un post y las ya comentadas esculturas de Duane Hanson, casi puedo decir que he podido disfrutar con los principales representantes del movimiento hiperrealista norteamericano de los años 70.
En el caso de Richard Estes, es significativo el hecho de que a pesar de su depurada técnica y su acercamiento técnico y temático a sus colegas fotorrealistas, el propio Estes haya reconocido más de una vez que solamente es un pintor con herencia de una larga tradición pictórica de siglos anteriores y no atado a corrientes artísticas de vanguardia.
Una de los aspectos coincidentes en la crítica, es que a pesar de su virtuosismo, nos sumerge con sutilezas en irrealidades apenas reconocibles, con lo que crea un juego visual que nos hace difícil poder confrontarlo con la realidad. Puede parecernos casi una fotografía pero siempre incluye elementos para confundir y por lo tanto para cuestionar la realidad. En sus pinturas casi siempre encontraremos reflejos en vidrieras, automóviles, espejos, sobre todo de su persistente urbe neoyorquina.
Cuando vemos una obra de reflejos tan complejos, casi con certeza podemos asegurar que se debe tratar de una de las reales irrealidades de Richard Estes.
Imágenes: 01- People`s Flowers, 1971. Richard Estes 02-Cabinas telefónicas, 1967-1968. Richard Estes 03- Broad Street NYC, 2003. Richard Estes
Hoy he conocido del fallecimiento de uno de los más grandes directores de cine cubano, Humberto Solás. Desde este magazine quiero rendir especial homenaje a este extraordinario cineasta cubano y universal.
Tuve la suerte de conocer a Solás, en mi etapa de trabajo en Ciudad de La Habana en el grupo VISUAL3, cuando apenas comenzaba a gestar una de sus maravilosas ideas: El Festival Internacional del Cine Pobre, que en su momento era puro riesgo por tener que demostrar que sería un festival diferente al ya clásico Festival de Cine latinoamericano. Era su apuesta por un cine alternativo con la premisa del rigor, el talento y el uso de las nuevas tecnologías con el objetivo de abaratar los costos de producción. Con un pequeño equipo de entusiastas, encabezado por Sergio Benvenuto, no solo echaron a andar el Festival sino que en sus ya 6 ediciones por las que ha transitado, lo han convertido en uno de los mejores acontecimientos culturales de la isla. El spot que acompaña este post fue el que realizamos con enorme placer para la primera edición. Un día como hoy repasas en tu mente todos esos fragmentos de la vida que has podido compartir con una de las más grandes figuras de la cultura cubana.
Su pasión por organizar este festival, demostró que más allá de enfrascarse en sus proyectos personales, lo impulsaba una gran vocación por enfrascarse en proyectos sociales aprovechando su poder de convocatoria.
La noticia que nos ha sacudido hoy, ha sido destacada por los principales diarios españoles y por supuesto de Cuba y Latinoamérica; no es para menos, su obra maestra "Lucía" (1970) figura entre las grandes películas del cine iberoamericano. He querido incluir el celebre cartel realizado para la película por el maestro Raúl Martínez (al que pronto dedicaremos un post), acompañado de fotogramas con las protagonistas de las tres etapas de la cinta: Raquel Revuelta (Lucia I), Eslinda Nuñez (Lucía II) y Adela Legrá (Lucia III).
Su filmografía incluye además otros títulos destacados como "Cecilia" ( 1982-83), "Amada" (1986), "Un hombre de éxito" (1988), la adaptación de la novela de Carpentier "El Siglo de las Luces" (2001), "Miel para Oshun" (2001), entre otros filmes y documentales.
Me quedará para toda la vida su pasión por el cine y el arte en general, pero sobre todo la buena amistad que nos brindó, que nos hará recordarlo como un hombre sabio, limpio, transparente y humano. ¡Gracias por todo Solás!
En 1990 en el Wadsworth Atheneum de Hartford, Connecticut, visité una exposición de Robert Longo (Brooklyn, New York, 1953) considerado uno de los artistas norteamericanos más importantes en ese momento. Aunque la serie de obras "Men in the Cities", me sigue pareciendo la más trascendente de su carrera, sus dibujos continúan siendo tan originales como impresionantes, sobresaliendo por su monumentalidad y oficio.
Sus obras realizadas con carboncillo, se reconcilian con la tradición del dibujo no como recurso técnico sino como resultado. Son piezas limpias con ideas claras, donde hay un elemento protagónico en el primer plano y un vacío total en el segundo, creando una atmósfera de soledad, depresión y densidad impactante.
Es Robert Longo un artista de vocación y concepto universal, que detrás de la sutileza de sus propuestas aprovecha el dibujo, tan poco común y subvalorado en el tren de la historia del arte, como arma para tocar nuestras almas. Mucho se le agradece.
Imágenes: Dibujos de la serie Men in the Cities. Robert Longo
La música y la experimentación han perdido hoy uno de los grandes, Richard Wright, uno de los fundadores de mi sonido favorito: Pink Floyd. Nos queda para siempre su música. Le dedico esta imagen como homenaje.
Cuando comentamos la exposición "Duchamp, Man Ray, Picabia" en el MNAC, dejamos para más adelante, por su particularidad, el comentario sobre el gran fotógrafo norteamericano. Hoy comentaremos por encima algunos datos esenciales de su trayectoria.
Man Ray (1890-1976), fue un innovador total. Sus aportes son todavía herramientas comunes en los laboratorios y a él se le debe en alto grado haber convertido la fotografía a la categoría de Arte. La experimentación parecía formar parte de su personalidad, tanto como lo hacían en su momento sus amigos surrealistas y dadaístas. Así, pintó sobre cristal y otras superficies con aerógrafo; realizó lo que llamaban rayogramas (objetos colocados sobre el papel sensible a la luz), solarizaciones (invirtiendo los márgenes de luz y sombra), películas, collages y como no podía ser de otro modo, también los famosos ready made.
Valía la pena hacer una mención especial a la figura de Man Ray, que por su talento y espíritu se convirtió en la mayor referencia de la fotografía artística de la vanguardia del siglo XX.
Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt. Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt. Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt. Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt. Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt. Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt. Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt. Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt. Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt. Sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt. Sólo Rembrandt. Rembrandt
Imágenes: 01 - "Autoretrato" (1669). Rembrandt. 02- "La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp" (1632). Rembrandt. Tomadas de www.geheugenvannederland.nl
Se agradece la poco común repercusión en los medios de la exposición FRANCIS BACON, que precisamente se inauguraba hoy en la Tate Britain. Lo mejor de las noticia es que a continuación la muestra se trasladará al Museo del Prado de Madrid, así que "espero con desespero", el todavía lejano 3 de febrero del próximo año, para acudir a la cita con los escandalosos gritos pictóricos del dragón Bacon.
Ya contaremos los detalles de tan impresionantes obras, por el momento para ir abriendo boca les dejo el enlace a la web de la exposición en Londres.
Numerosos estudios se han realizado sobre la psicología del color; libros, manuales y fundamentos teóricos rodean al tema, pero la mayoría están realizados para estudiosos o profesionales. En 2003, para la Tesis de Maestría en Diseño de Gráficos por Computador del Rochester Institute of Technology, la diseñadora colombiana María Claudia Cortés, realizó un original minisite para descubrirle al más común de los mortales, muchas de las claves del simbolismo del color.
Con una interface clara realizada en flash, María Claudia nos abre las puertas para comprender de forma divertida los colores, a través de situaciones simpáticas, sus elementos positivos y negativos, sus análogos, complementarios, el concepto en diferentes culturas, entre otros aspectos.
No por tener algunos años, quería dejar de recomendar este excelente sitio que se mantiene tan útil y recomendable como el primer día.
