YOel MAGazine

William Kentridge: El dibujo se mueve

2011-10-25T23:39:00.003+02:00

Ver algo del cada vez reconocido William Kentridge, (Johannesburgo, 1955) obliga a una pausa en la locura diaria de imágenes. Hay que detenerse ante sus dibujos en movimiento, todo una maravilla ilustrada y con vida, con mucha vida, esa misma que nos mantiene al tanto de la sangre y el pulmón sudafricano.

La obra de Kentridge es diferente: dibuja, borra, dibuja, borra, dibuja. Es tan importante el resultado como el infinito proceso que nos recuerda su entorno y las historias comunes. Historias contadas desde la más sensible poesía unida a la riqueza de su espontáneo trazo.

Es un privilegio contar entre nosotros los testimonios personales y universales de William Kentridge. ¡disfrutemos de sus historias animadas!

Medialab-Prado

2011-09-20T19:45:00.003+02:00

Medialab-Prado es un espacio orientado a la producción, investigación y difusión de la cultura digital y del ámbito de confluencia entre arte, ciencia, tecnología y sociedad.
En su espacio se celebran talleres de producción y de formación, seminarios y debates, reuniones de diferentes grupos de trabajo, muestras de proyectos, conciertos, etc. Todas las actividades son gratuitas y abiertas a todos los públicos.
El principal objetivo es crear una estructura en la que tanto la investigación como la producción sean procesos permeables a la participación de los usuarios. Para ello ofrece:
- Un espacio permanente de información, recepción y encuentro atendido por mediadores culturales.
- Convocatorias abiertas para la presentación de propuestas y la participación en el desarrollo colaborativo de proyectos.

La programación se estructura en líneas estables de trabajo. Hasta el momento se han puesto en marcha las siguientes:
- Interactivos?: usos creativos de la electrónica y la programación
- Inclusiva.net: investigación y reflexión en torno a la cultura de redes
- Visualizar: estrategias y herramientas de visualización de información
- Laboratorio del Procomún: discusión transdisciplinar sobre los bienes comunes
- AVLAB: creación sonora y audiovisual

La mayor parte de las actividades se registran en vídeo y posteriormente se pueden consultar y descargar en esta web.

Medialab-Prado es un programa del Área de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid, que tiene su origen en el año 2000 en el Centro Cultural Conde Duque. En el año 2002 toma el nombre de MediaLabMadrid, y en septiembre de 2007 se traslada a la Plaza de las Letras, en los bajos de la Antigua Serrería Belga, ahora en rehabilitación y futura sede definitiva. Desde entonces pasa a denominarse Medialab-Prado, en alusión a su nueva ubicación junto al Paseo del Prado.

Tomado de Web Oficial:
http://medialab-prado.es

Mi deuda con Lucian Freud

2011-07-22T16:41:00.003+02:00

Siempre quise escribir sobre Lucian Freud, vivo. Pero, ayer nos dejaba.

Me resultaba complicado imaginar que un pintor de su talento todavía estuviera con nosotros produciendo obras de un enorme valor y no hablo precisamente del monetario, disparado en los últimos años hasta el punto de convertirse en el artista vivo más cotizado.

Siempre he reconocido en Freud como un artista de otra epoca, quizás por sentir el aroma del color impresionista y la pincelada expresionista o quizás por no alejarse de temas tradicionales como las naturalezas muertas, o sus conocidos retratos y desnudos, quizás por recordarme un poco a Degas, un poco a Bacon. Pero, siempre lleva al desengaño, se trata de un pintor de nuestros días, con el drama y la sangre de nuestros días, soportando el peso de la historia del arte a sus espaldas. Se trata de una pintura perdurbadora, cruel y despiadada, pero enfrentada a su vez con una ternura y sensualidad sorprendente.

"Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son" y así se ve su obra, descarnada y caliente, cruda, sin tapujos, para enseñarnos realmente que el lienzo puede ser más que una simple pose o una fotografía de modelo. Son retratos del alma, la soledad y el desamparo en el que viven sus protagonistas, que necesitan muchas veces un animal de compañía para vivir, para sobrevivir.

Lucian Freud, como su abuelo -el psicoanalista Sigmund-, también nos enseñó a pensar. Cuidemos su obra.

Relación de imágenes:
01- Lucian Freud "Reflection (autorretrato)", 1985
02- Lucian Freud "Benefits_supervisor_sleeping", 1995
03- Lucian Freud "Sunny Morning–Eight Legs" (fragmento), 1997
04- Lucian Freud "Painter and model", 1987
05- Lucian Freud "Naked girl asleep, II", 1968

Yousuf Karsh: la mirada instantánea

2011-01-26T22:07:00.001+01:00

Encontrarse con las imágenes de Yousuf Karsh (Mardin, 1908 - Boston, 2002) es siempre un enorme placer. Sus conocidos retratos nos han acompañado durante años sin saber que esas personalidades, intelectuales, políticos, artistas están captados por el ojo y la cámara de uno de los grandes genios de la fotografía.

La esencia psicológica, tan difícil de atrapar, parecía un juego de niños para Karsh. Su sensibilidad para encontrar la expresión que definiera el perfil del personaje creció con cada retrato hasta conformar uno de los catálogos más impresionantes de la historia del arte.

Aunque les recomiendo visitar la web para una información completa, he querido mostrarles los retratos de siete importantes artistas y arquitectos del siglo XX que se sentaron delante de la cámara para quedar inmortalizados no solo por sus geniales obras, sino por la perfecta mirada de Yousuf Karsh.

Enlaces relacionados:
Sitio oficial de Yousuf Karsh: www.karsh.org
Yousuf Karsh en Wikipedia >

Relación de imágenes:
01- Pablo Picasso, 1954
02- Alberto Giacometti, 1965
03- Jasper Johns, 1990
04- Georgia O’Keeffe, 1956
05- Joan Miró, 1965
06- Frank Lloyd Wright, 1945
07- Ludwig Mies van der Rohe, 1962

Monólogovisual 001 | Nuevos Realismos

2010-11-11T23:45:00.008+01:00

Hace tiempo que me rondaba en la cabeza un nuevo proyecto con la misma idea de este blog: arte compartido. Hoy se los presento.

Poco a poco, gracias a mi aprovechable Nikon, voy teniendo una buena colección de fotografías que por las características de las imágenes para web se hace difícil poder aprovechar en términos de resolución y calidad. "Monólogovisual", le he llamado a los pequeños magazines con un tema en particular, que compartiré para que puedan ver, descargar e imprimir según prefieran, gracias a las facilidades que nos ofrece el portal Issuu, todo completamente gratuito.

Las temáticas serán variadas, pero en general se tratan de arte, artistas, exposiciones, algunas de mis obras, incluyendo experimentos fotográficos. Por supuesto que si existe algún interesado en proponer o compartir sus reportajes o su arte, podrá hacerlo también.

Este proyecto unifica de cierta manera los dos blogs (www.artetuyo.net / www.yoelmagazine.com), pues tiene puntos de contacto con cada uno de ellos.

Para comenzar seleccioné la exposición "Nuevos Realismos 1957-1962. Estrategias del objeto, entre readymade y espectáculo" realizada en el Museo Reina Sofía de junio a octubre pasado y de la que no había escrito todavía, pero que tiene una fuerte carga simbólica para mí por tratarse de artistas y obras importantes en el siglo XX, temas de los que saben, siento especial interés.

La frecuencia de los números no será exacta, porque dependerá de tantos factores que no me atrevo a calcular. Solo deben estar al tanto. Varias ideas ya tengo en preparación. Saludos, Saludos y Suerte!

Pueden ver o descargar el Primer número AQUÍ >

Mad Men: revelando los 60

2010-10-14T22:59:00.001+02:00

No pensé que un día escribiera acerca de una serie de televisión, pero mi satisfacción me ha tentado a la excepción con el caso de "MadMen" del creador y guionista Matthew Weiner y producción deLionsgate. Los últimos comentarios y sus arrolladores premios (varios Enmys y Globos de Oro -hasta el momento-) comienzan a dar la razón a los que apostaron por esta serie renovadora a la vez que clásica.

Canal+ España ha dedicado toda la parrilla de hoy a su tercera temporada y como colofón la premiere de su cuarta temporada. Una maravilla! Y como en el Magazine hablamos de diseño no quiero dejar de lado el cambio por unas horas de la identidad gráfica del canal y en especial de la portada de la web www.plus.es para homenajear el estreno. Simpática idea con excelente resultado. Les dejo debajo unas capturas de la web, suponiendo que en pocos minutos volvamos a su portada habitual. Felicitaciones a los creativos!

Para los que no conocen la serie (imagino que pocos) les sitúo que ocurre en una agencia de Publicidad Sterling Cooper, en el New York de los años 60. En esta nueva temporada crecen aún más sus sorprendentes guiones, su apuesta por lo visual con el aire nostálgico y a su vez crítico de la época, música que atrapa y con actuaciones brillantes a la altura que se quiera comparar… Hoy me he reencontrado con la volátil personalidad de Don Draper (impresionante John Hamm), la cautivadora y reivindicativa "Betty" Draper (January Jones), la talentosa y atrevida "Peggy" Olson (Elisabeth Moss), el ácido "Pete" Campbell (Vincent Kartheiser) y todo el equipo de publicidad y sus familias que conforman una historia interminable. No cabe duda que estamos ante lo que será en el futuro -si ya no lo es- una serie de culto, que seguirá atrapándome como hoy… nuevamente.

El Oficio del Oficio | Los Carpinteros en Madrid

2010-06-05T23:45:00.001+02:00

Dada su gran calidad, he visitado por segunda vez la exposición de Los Carpinteros en las salas de la Galería IvoryPress en Madrid, un espacio que parece diseñado para que los ya célebres artistas cubanos den buena cuenta de su desbordada imaginación creativa.

Recuerdo los primeros trabajos de Los Carpinteros en La Habana y desde entonces ya se preveía que su talento caminaría las más importantes galerías y museos del mundo. Los pronósticos se han cumplido y no dejan de sorprender en La Habana, Nueva York, Londres.. y ahora en Madrid. En los últimos años había perdido el rumbo de sus obras hasta que por suerte he podido reencontrarme con ellas. En un vídeo curricular que se muestra como complemento de la exposición, he podido ver piezas impresionantes realizadas en este lapso de tiempo para mi la mayoría desconocidas. Solo puedo decir que ya no solo son "carpinteros" ahora también son ingenieros, arquitectos, músicos... artistas totales.

"Drama Turquesa" es el título de exposición en la galería madrileña. Como podrán comprobar en las pocas fotografías que he podido hacer, las obras están llenas de ironías y sutilezas de la realidad cubana pero sin renunciar a su vocación universal.. un encanto al intelecto y a la sonrisa cada una de las instalaciones, realizadas con los materiales y recursos más diversos, algunas incluso realizadas in situ, a las que hay que agregar la maravillosas acuarelas en cartulinas de gran formato, cada una de ellas con ese oficio único que siempre ha caracterizado sus creaciones.

Los Carpinteros actuales Dagoberto Rodríguez y Marco Castillo, han crecido increíblemente desde sus inicios que ya para entonces eran sorprendentes, su obra es sin duda de las mejores que podemos encontrarnos en todo el arte actual. Por la calidad y trascendencia igual de importante de uno de los creadores de Los Carpinteros hasta 2003, Alexandre Arrechea hablaremos en detalle en próximos post de su particular recorrido.

Datos de la Exposición
Los Carpinteros. "Drama Turquesa"
Lugar: Ivorypress Art+Books.
Dirección: C/ Comandante Zorita, 48. 28020 Madrid.
web: www.ivorypress.com
Fecha: Del de mayo al 20 de julio de 2010
Horario: 10.00 a 14.00 h / 16.30 a 19.00 h
Sábados: 11.00 a 14.00 h

Imágenes:
01- Los Carpinteros:

Los misterios de Ahmedov

2010-05-06T23:58:00.001+02:00

Inquietantes atmósferas envuelven las imágenes del búlgaro Arslan Ahmedov (Varna, 1983), que poco a poco se abre un espacio en el panorama actual.

Resulta curioso que pueda sorprender actualmente con el desconcertante desarrollo de la tecnología digital una fotografía con el aroma y el sabor del pasado, del negativo, de la Polaroid, del blanco y negro. Cuando ves sus capturas tienes la impresión de que estás frente a lo que has podido ver antes o que has estado cerca de tocar y que en algún momento se te ha podido escurrir entre las manos, aquel detalle que quizás por la fragilidad de la mente has olvidado o escondido en un cuarto oscuro, justo en un cuarto oscuro. Es una poesía onírica e impersonal que a la vez puede acercarte a protagonistas de cualquier época. Sorprende que se pueda hacer a estas alturas fotografía de la fotografía.

La serenidad y el misterio de sus instantáneas son un aguacero de talento creativo y una muestra que el oficio y la nostalgia por la fotografía tradicional que muchos consideran perdido, tiene un excelente representante en el lente de Arslan Ahmedov.

Relación de obras:
01- Arslan Ahmedov. "Lemons"
02- Arslan Ahmedov. "Portrait of Teodora"
03- Arslan Ahmedov. "A Girl with Photo from a Funeral"
04- Arslan Ahmedov. "Dani with flowers"
05- Arslan Ahmedov. "The Muse with Branch from Mulberry Tree"
06- Arslan Ahmedov. "Sinequanone"
07- Arslan Ahmedov. "La confession"
08- Arslan Ahmedov. "The Suicide of Dorothy Hale"
09- Arslan Ahmedov. "Sunday, of course!"
10- Arslan Ahmedov. "Aragonian still life"
11- Arslan Ahmedov. "viva la vida"
12- Arslan Ahmedov. "Kalanchoe for mira"

Enlaces relacionados:
- Galería de Arslan Ahmedov en Flickr >>
- Blog de Arslan Ahmedov >>

Animación | "Meet Meline"

2010-04-04T19:17:00.006+02:00

Mucho nivel nos encontramos con regularidad en los cortos de animación 3D. Ya no solo nos impresionan las magistrales películas de Pixar y el resto del grupo de puntería. Con las posibilidades actuales muchos estudios y realizadores se lanzan al reto de regalarnos ideas y resultados muy logrados e inteligentes.

Este es el caso de la historia "Meet Meline" de Virginie Goyons y Sebastien Laban. Un magisterio de belleza, ternura, intriga y una técnica a la altura de los grandes. Han creado un personaje infantil ingenuo y cariñoso que compatibiliza con un ambiente rural, hermoso y libre.

Técnicamente es evidente que lo han calculado todo, , su making of así lo demuestra, cada etapa ha sido documentada y estudiada hasta el más mínimo detalle. Las dos imágenes inferiores que he preparado a partir de las que ellos han compartido con todos, demuestran los complejos y pacientes pasos que hay que seguir para hacer realidad una idea inicial, que en apariencia puede parecer sencilla. Dos años de sacrificios y talento para "solo" 6 minutos. El resultado lo pueden juzgar ustedes mismos.

Saludos, salud y Suerte

Enlaces relacionados:
www.meetmeline.com - Sitio Oficial
Making of de "Meet Meline" >>
Portafolio de Sebastien Laban >>

CrónicaExpo | Oteiza II: en el césped

2010-03-21T00:05:00.001+01:00

La racionalidad creativa de Jorge Oteiza hay que saborearla al natural, con el olor a hierba, la limpieza de las superficies y el brillo del sol bañando las esquinas de las monumentales obras que descansan sobre los jardines de la Fundación Canal.

Para cerrar la crónica de la exposición "Los límites de la transparencia", les dejo con las fotografías que he podido hacer en los alrededores con las cuatro piezas con las que se puede comprender la verdadera grandeza del escultor de San Sebastián.

Relación de obras:
01-02- Jorge Oteiza.
"Oposición de dos Matrices Malevitch", (1956) 2002.
Acero Cortén. 270 x 470 x 330 cm
03-07- Jorge Oteiza.
"Versión Preliminar de la desocupación de la esfera", (1957) 2002
Hierro pintado de negro, 220 x 286 x 257 cm
08-11- Jorge Oteiza.
"Retrato de un gudari armado llamado Odiseo", (1972) 2002
Hierro pintado de negro, 223 x 283 x 238 cm
12-13- Jorge Oteiza.
"Construcción con unidades Malevitch de apertura curva" (1975) 2002
Hierro pintado de negro, 108 x 153 x 134 cm

Fotografías: YOel Almaguer.
Total libre de derechos de reproducción y manipulación.

CrónicaExpo | Oteiza I : Al natural

2010-03-18T20:33:00.001+01:00

Para Oscar Aguirre, por sus enseñanzas del espacio.

Tenemos mucha suerte en Madrid que por estos días coincidan tantas exposiciones sobresalientes, aunque el poco tiempo nos obligue a posponer y hasta perdernos lamentablemente algunas de ellas. Una de las que no quería dejar de lado es la que reúne una gran parte de la trayectoria escultórica de Jorge Oteiza (Orio, Gipuzkoa, 1908 - San Sebastián, 2003).

No hace mucho tiempo que conocí la obra de Oteiza, a través del Museo de Escultura de Leganés que ya hablamos en uno de nuestros post iniciales. Desde ese momento fui descubriendo el gran tesoro que alberga la escultura española. De modo, que nada como una exposición en la Fundación Canal - excelente una vez más- para concentrar los aspectos esenciales de su obra. Piezas de una síntesis profunda y de un gran concepto espacial, sobre todo a partir de la descomposición del cubo, esa forma esencial desde la que nacen y se conceptualizan muchas de sus producciones. Así va "desarmando" y conformando desde los espacios negativos nuevos conceptos. A este proceso de deconstrucción lo denominó "desocupación". Y acertó.

Tanto las esculturas de pequeño formato como las de gran escala situada en los exteriores (que les mostraré en el próximo post), me confirmaron que Jorge Oteiza tiene muy merecido estar en el altar de la fama de los grandes escultores contemporáneos.

Relación de obras:
01- Escultura de Jorge Oteiza con Cartel de Exposición al fondo.
02- "Construccion vacia con cuatro unidades planas positivo-negativo"
© Jorge Oteiza. Vegap, Madrid 2010
03- "Escultura lunar"
© Jorge Oteiza. VEGAP. Madrid, 2010
04- "Caja abierta"
© Jorge Oteiza. VEGAP. Madrid, 2010
05- "Desocupación de la esfera" (1958) 2000
© Jorge Oteiza. Vegap, Madrid 2010
06- "Arista vacía" (1958) 2002
© Jorge Oteiza. Vegap, Madrid 2010
07- "Homenaje a Leonardo. Caja metafísica por conjunción de dos triedros", 1958
© Jorge Oteiza. Vegap, Madrid 2010

Ficha de la Exposición:
Oteiza / Los límites de la transparencia.
Fundación Canal. Madrid
Del 25 de febrero de 2010 al 25 de abril de 2010
Horario: Laborables y festivos de 11:00 a 20:00 h
Miércoles de 11:00 a 15:00 h.
Entrada libre.
Fotografías: Prensa Fundación Canal.
Excepto foto01: YOel Almaguer

Enlaces relacionados:
Fundación Museo Jorge Oteiza. Navarra >>
Fundación Canal. Madrid >>

Carmen La Griega: La tormenta de las diosas

2010-02-28T16:25:00.004+01:00

El pasado 11 de febrero asistí a la inauguración de la exposición de Carmen la Griega (Madrid, 1971) en la Galería "Columpio", una de las más singulares de la ciudad a partir de su fuerte apuesta por el dibujo. La misma exposición así lo confirma.

"Judías Verdes. Una historia milesia de Carmen la Griega" es el título de la interesante muestra, donde me pareció sobresaliente la coherencia entre las historias profundas que nos cuenta con el tratamiento técnico y oscuro de sus cartulinas. Su compromiso con los mensajes se nos desborda en el uso de sus propias manos con el carbón y la tinta para "ensuciar" las superficies.

Inmersos en sus criaturas nos sumerge en un universo del que es difícil escapar, todo una telaraña de imágenes, diosas, símbolos, maternidad, dramas y tragedias donde cada dibujo parece su escenografía. Espléndidos trabajos de Carmen y gran "descubrimiento" de una galería que seguiremos con mucho interés sus proyectos futuros.

Enlaces relacionados:
Galería "Columpio", Madrid>>
Web de Carmen La Griega >>

Carmen Herrera: la sorpresa de 94 años

2010-02-07T14:54:00.006+01:00

"Descubierta" y aclamada con más de 90 años, la obra de Carmen Herrera (La Habana, Cuba, 1915) ha sido una agradable sorpresa para el mundo del arte y parte del oxigeno que necesita para reciclarse constantemente.

Las complejidades del mercado del arte, traen a veces injusticias irreparables que -por suerte- a veces terminan con final feliz. Ahora la crítica, el MoMA, la Tate ... el mundo entero se rinde al talento de la artista actualmente residente en New York. Pero, es evidente que nos hemos perdido durante más de medio siglo, un catálogo de obras refrescantes para la retina y los sentidos. Ahora llaman a este fenómeno: el descubrimiento de la década.

Composiciones y equilibrios perfectos, una utilización de color sin tapujos, estructuras geométricas inteligentes, construcción - descontrucción de espacios positivos y negativos aprovechando los efectos ópticos del contraste color y una interminable lista de buenas sensaciones conforman una lírica visual indagadora y singular.

Las abstracciones minimalistas de Carmen Herrera deben formar parte de las retrospectivas del arte moderno y de material de estudio para las escuelas de arte y diseño. Al lado de Josef Albers, Jean Arp, Piet Mondrian, Vasarely, Frank Stella y otros maestros de su línea, debe estar para siempre su maravillosa obra.

Relación de obras (orden cronológico):
01- Carmen Herrera en la entrevista para NYTimes. 2009
02- Carmen Herrera para NYT: "Black and White". 1952
03- Carmen Herrera para NYT: "Irlanda". 1952
04- Carmen Herrera para NYT: "Cobalto y Blanco". 1960
05- Carmen Herrera para NYT: "Red with White Triangle". 1961
06- Carmen Herrera para NYT: "Blanco y Verde". 1966
07- Carmen Herrera para NYT: "Amarillo".1971
08- Carmen Herrera para NYT: "Red Square".1974
09- Carmen Herrera para NYT: "Cobalt".1982
10- Carmen Herrera para NYT: "Rojo y Blanco". 1986
11- Carmen Herrera para NYT: "Blue and some orange".1986
12- Carmen Herrera para NYT: "Noche de Salamanca".1986

Las imágenes utilizadas son propiedad de:
New York Times, BBC Mundo, The Guardian, Frederico Seve Gallery

Enlaces relacionados:
Artículo de "The Guardian". Agosto 2, 2009 >>
Artículo del " New York Times". Dic 19, 2009 >>
Artículo "BBC". Dic. 24, 2009 >>
Colección de Carmen Herrera en Frederico Seve Gallery >>
Colección de Carmen Herrera en la Tate de Londres >>

Jason Seiler: El retrato Ilustrado

2010-01-16T21:24:00.000+01:00

En los días de descanso de inicio de año, aproveché para profundizar en esos extensos portafolios que tenía marcados como pendientes y que debido a la enorme capacidad creativa de sus autores, con la velocidad y pocas horas de la vida diaria no me permite ver en detalle.

Uno de ellos es el del norteamericano Jason Seiler, un espectacular ilustrador, sobre todo de retratos, que colabora con varias de las más importantes revistas que siguen apostando por la ilustración como recurso, como "Time", "Business Week", "The Weekly Standard", entre otros. Seiler es uno de los más recurrentes invitados a ilustrar sus portadas y artículos, por la caracterización psicológica que extrae de las personalidades que retrata y por un dominio técnico sobresaliente. No por gusto lo podemos encontrar en los más importantes sitios de ilustración del mundo y compartiendo su experiencia con numerosas lecciones y casos de ejemplo, en el que paso a paso nos va enseñando esos pequeños detalles que hacen grande su obra y que nos permiten aprender de su talento. Creo que su particularidad radica en que se mueve en los límites tanto del retrato de la pintura convencional, como de la clásica caricatura humorística que exagera rasgos de las personas, pero al mismo tiempo no es ninguna de las dos. Se aprovecha de ambas, pero confiriéndole un toque personal.

Bogart, George Lucas, Tim Burton, Tarantino, Bill Murray, Aretha Flanklin, Dylan, Mercury, Santana, Obama, Hillary... y una interminable lista de celebridades del cine, la música, el deporte, la política, han sido devorados por su excelente dibujo y uso del color. Lo podrán comprobar en algunos de los ejemplos que les muestro y que colocan al subvalorado genero de la ilustración al mismo nivel que el resto de las manifestaciones artísticas. Esta vez casi como si tratara de un juego de Jason Seiler prefiero que ustedes mismos reconozcan de que personaje se trata cada obra, solo desvelándoles que la primera es un autorretrato.

© Todas las imágenes son propiedad de Jason Seiler

Enlaces relacionados:
Web oficial de Jason Seiler >>
Blog de Jason Seiler >>
Schoolism. Online Art Classes >>

Paleta para un inicio de año

2009-12-29T23:30:00.001+01:00

Se acaba 2009 y quería dejar un regalo a los que se pasen en estos días por el blog, que cerramos con más de 20 mil visitantes y cerca de 40 mil páginas vistas. Para muchos podrán ser cifras ridículas, pero sinceramente valoro cada una de ellas como algo muy especial, sobre todo aquellas que nos dejan palabras de aliento y debate.

Ha sido un año especial, de reencuentro familiar y de amigos, de brillantes exposiciones en Madrid (Bacon, Klein, Foster, Rodin, Sorolla...), del conocimiento de geniales artistas, de enriquecedores encuentros de bloggeros. En lo personal, de vuelta a los pinceles sin dejar de lado los pixels, de eterno recuerdo y con una insustituible compañía en la vida con la que comparto mis pasiones y proyectos.

Para el próximo año prometo seguir poniendo los mayores deseos de compartir criterios e imágenes sobre el complejo y maravilloso mundo del arte.

Ustedes tienen la palabra. Saludos, Salud y Suerte!

Feliz 2010! para toda la familia y amigos.

Imágenes:
Interpretación de obra realizada en 2009

Pinturas recientes: "Muros"

2009-12-22T19:50:00.000+01:00

Publicado originalmente en: www.artetuyo.net>>

Nuevas obras siguen saliendo en estos días de vuelta al pincel. Esta vez son lienzos en pequeño formato que permiten experimentar con materiales y relieves que se hacen difíciles sobre cartulina.

Con un tratamiento por capas, voy superponiendo dibujos como mismo ocurre cuando el tiempo deja huella sobre los muros, esos fragmentos personales y colectivos ajenos o cercanos. Una experiencia interesante porque aquello que voy creando, un tiempo después es sustituido por otra nueva pintura, de modo que puedo crear varias obras en una sola.

Nada me impedirá con el tiempo volver sobre los mismos, ¿o no? El polvo del tiempo tendrá la última palabra.

Imágenes:
01- YOel Almaguer. Serie "Muros" I, Acrílico y conté s/ lienzo. 30cm x 24cm. 2009
02- YOel Almaguer. Serie "Muros" I, Acrílico y conté s/ lienzo. 30cm x 24cm. 2009
03- YOel Almaguer. Serie "Muros" I, Acrílico y conté s/ lienzo. 30cm x 24cm. 2009
04- YOel Almaguer. Serie "Muros" I (Fragmento)
05- YOel Almaguer. Serie "Muros" II (Fragmento)
06- YOel Almaguer. Serie "Muros" III (Fragmento)

Artículo: "El arte de la nada" en El País

2009-12-20T23:43:00.001+01:00

Los buenos artículos de arte en los diarios nacionales suelen ser bastante escasos y generalmente se circunscriben a noticias de exposiciones en los grandes museos. Pero de vez en cuando aparecen algunos que se convierten no solo en buena lectura sino que incluso son capaces de generar debate.

En el suplemento "El País Semanal" de hoy me ha sorprendido un excelente y actualizado reportaje sobre los entresijos del complejo mercado del arte, sus fundamentos actuales, el poder del artista. Nombres como el polémico Damien Hirst (1965), Jeff Koons (1955) - pueden leer"Kitsch-Koons" , entre otros, criterios de coleccionistas, casas de subastas, críticos, son referencias del artículo, con el fin de tantear los diferentes puntos de vistas sobre el tema.

Muchas veces hemos hablado del tema en el Magazine y siempre es gratificante encontrar artículos de esta naturaleza en los medios que llegan a un gran número de lectores. El artículo integro pueden consultarlo en el enlace debajo.

"El arte de la nada" >>
por Julia Luzán. "El País Semanal"

¿Cuánto vale una vieja foto de stalin? Nada. ¿Y si Damien Hirst le pinta encima una nariz roja? 155.000 euros. cuando el artista contemporáneo se convierte en marca; el mercado, en especulación, y la obra, en símbolo de estatus, ¿qué queda del arte?

En la imagen:
Damien Hirst. "Calavera pintada". Tomado de fotogalería "El País".

Pintor Invitado: Michele del Campo

2009-11-28T14:25:00.001+01:00

Navegando entre portafolios por internet he encontrado la web del artista italiano Michele del Campo, representado entre otras por la Galería Jorge Alcolea de Madrid y recientemente ganador del Premio BMW de Pintura. No es común (para mi gusto) encontrar obras de esta naturaleza y que a su vez me parezcan frescas, de gran expresión y ricas por su tratamiento.

Su pintura se mueve en la calle, en la acera, en el graffiti callejero, son capturas instantáneas, el retrato de protagonistas anónimos, tanto que a veces imaginamos esos rostros que deja fuera del lienzo, como desencuadres fotográficos, atrapando la atención sobre puntos determinados, pero muy atentos a su entorno. Es la mirada atenta que atrapa la moda joven, la piel descubierta, el desenfado y el encuentro entre amigos.

El día pasa, llega la noche. Los cuadros de Michele del Campo quedan como esas diapositivas necesarias.

Relación de Obras:
01- Michele del Campo: "Huevera". 89 x 81 cm
02- Michele del Campo: "Lady with Dog" . 40 x 40 cm
03- Michele del Campo: "Mirando el mar" . 162 x 150 cm
04- Michele del Campo: "Portón" . 230 x 190 cm
05- Michele del Campo: "Retrato de una compradora" . 114 x 146 cm
06- Michele del Campo: "Three girls with graffiti". 190 x 180 cm
07- Michele del Campo: "La pausa". 180 x 195 cm
08- Michele del Campo: "Dos rubias". 230 x 190 cm

Enlaces relacionados:
Web oficial: www.micheledelcampo.com
Galería Jorge Alcolea: www.galeriajorgealcolea.com

Kotoc: tridimensión española

2009-11-21T16:12:00.001+01:00

Aquellos que seguimos con atención tanto el mundo de la animación 3D y motionsgraphics como los deportes en la televisión de España, asistimos en los últimos años a verdaderos espectáculos con piezas de grandes dotes técnicos y artísticos, que esconden por detrás las manos de un joven estudio de Barcelona: Kotoc.

Aunque no solo se concentran en spots para deportes, lo cierto es que sus más conocidos han sido sus premiados futbolistas robots para Cuatro con motivo de la Eurocopa'08; la Presentación para La Sexta del Campeonato Mundial de Formula1 y recientemente las promos de la Champions League para TVE. No obstante visitando su web podemos disfrutar de muchas más de sus buenas creaciones, incluyendo algunos proyectos personales de sus creativos.

En general destacan conceptualmente por referencias de ficción o históricas y técnicamente por su dominio del modelado, la animación y un texturado cuidadoso de los objetos, personajes o background de cada una de las escenas. Las secuencias en general son excelentes en postproducción y montaje.

En su espacio de Vimeo encontramos cerca de 60 vídeos con sus trabajos y algunos making of como los dos que muestro, que confirman que Kotoc nada tiene que envidiarle a los grandes y famosos estudios de animación.

Nos vemos pronto. Saludos, Salud y Suerte!

Vídeos:
01- Kotoc. Making of para Promoción de Formula1
02- Kotoc. Cuatrobots para Eurocopa'08

Enlaces relacionados:
Web: www.kotoc-produccions.com
En Vimeo: www.vimeo.com/kotoc
Bernat Fortet (creativo): www.bernatfortet.com

Obras recientes: Pinturas

2009-11-17T22:41:00.008+01:00

Publicado originalmente en: www.artetuyo.net>>

Como prometí, les muestro otra obra de la serie de dibujos y pinturas que estoy realizando en los últimos meses. En esta ocasión acrílicos sobre cartulina.

He contrastado los trazos del grafito con la manualidad de la pintura nerviosa. El gesto sangriento tocado con las mismas manos como un relieve escultórico. El resultado onírico de la espontaneidad. Directamente del subconsciente a la superficie.

Sin masticar. Sin tragar. Sin historias contadas.

Saludos, Salud y Suerte.

Datos de la obras:
01- YOel Almaguer. "3", Acrílico y conté sobre cartulina. 50cm x 65cm. 2009
02- YOel Almaguer. "3" (detalle)
03- YOel Almaguer. "6", Acrílico y conté sobre cartulina. 50cm x 65cm. 2009
04- YOel Almaguer. "25", Acrílico y conté sobre cartulina. 50cm x 65cm. 2009
05- YOel Almaguer. "25" (detalle)

Obra reciente: Dibujos

2009-11-12T23:08:00.004+01:00

Para Balovega en otoño
Publicado originalmente en: www.artetuyo.net >>

Después de buen tiempo en los caminos del artedigital, llevo unos meses alternando con pinceles, acrílico, lápiz y conté.

El uso del pigmento y el grafito son satisfacción total tanto por el proceso como por el resultado al terminar cada obra. En las abstracciones procuro en lo posible guiarme por los primeros impulsos formales que se van traduciendo en composiciones, líneas "graffiteras", masas y superficies de color. Por lo regular no pienso en que acabará todo, sino cual será el próximo paso para llegar a un resultado siempre desconocido.

En la medida de lo posible iré mostrando algunos de estos dibujos y acrílicos. Perdonando las fotografías, que todavía no encuentro como ser lo más fiel posible a los originales (acepto consejos), espero sus siempre útiles criterios y sobre todo que los disfruten.

Saludos, Salud y Suerte!

Datos de la obras:
01- YOel Almaguer. "22", Conté s/ cartulina. 50cm x 65cm. 2009
02- YOel Almaguer. "29", Conté s/ cartulina. 50cm x 65cm. 2009
03- YOel Almaguer. "29" (fragmento)

Rodchenko: La revolución fotográfica

2009-10-31T10:23:00.002+01:00

La verdadera revolución de Aleksandr M. Rodchenko (San Petersburgo, 1891 - Moscú 1956) fue su propio arte. Un creador original en sus incursiones en pintura, diseño, fotografía, tipografía, y hasta diseño ciudades enteras como urbanista. Por estos meses entre el Museo Reina Sofía y la Fundación Canal, se reúne en Madrid una gran parte de su colección.

Y nos hemos acercado precisamente a la Fundación Canal para ver una exposición que no por esperada deja de ser sorprendente para redescubrir a un experimentador total en la fotografía. Divididas en "Fotomontajes", "En movimiento", "Infancia", "Nuevos puntos de vista", "Retratos. El entorno de Rodchenko" y "Ciudad y tecnología" entramos en contacto con las más celebres fotografías de uno de los principales líderes del constructivismo ruso junto a Naum Gabo y Vladímir Tatlin y surgido después de la Revolución de Octubre. En 125 instantáneas realizadas ebtre 1920 y 1940 podemos ver de todo: composiciones agresivas, perspectivas, zoom, escorzos exagerados, picados y contrapicados violentos.

Rodchenko, el fotógrafo, (aunque hagamos mal en dividirlo) logró liberar y liberarse de los convencionalismos de la época. ¡Su revolución sigue viva!

Imágenes:
01- Exterior de la Exposición. Fundación Canal.
02- Aleksandr Rodchenko. "Retrato de O. M. Brik".
03- Aleksandr Rodchenko. "Salto".
04- Aleksandr Rodchenko. "Píramide".
05- Aleksandr Rodchenko. "Mujer con una Leica". 1934

Ficha de la Exposición:
Rodchenko Fotógrafo.
Fundación Canal. Canal de Isabel II.
Del 23 de octubre de 2009 al 3 de enero de 2010
Horario: Lunes a domingo de 11:00 a 20:00 h
Miércoles de 11:00 a 15:00 h.
Entrada libre.
Exposición comisariada por Littmann Kulturprojekte.
Fondos procedentes del Museo Nicéphore Niépce (Francia).
Con la colaboración de PopArt.
Fotografías: Prensa Fundación Canal

RAÚL MARTINEZ | Yo Publio: La sabiduría del Maestro

2009-10-24T14:02:00.014+02:00

Aprovechando las largas y agotadoras horas de viaje en la ida y vuelta a Galicia pude leer un libro que había traído en mi último viaje a Cuba: Yo Publio: Confesiones Raúl Martínez.

Antes de comentarles sobre el libro, quisiera contar un antecedente imprescindible. Si mal no recuerdo en 1994, junto a mi buen amigo Lázaro ET, tuve la increíble oportunidad de asistir, a un evento de jóvenes artistas en la ciudad cubana de Guantánamo. Unas horas antes conocimos que entre los presentes iba a estar como Invitado de Honor un mito viviente para la mayoría de los asistentes: el maestro Raúl Martínez quien ya en ese momento tenía problemas de salud. Fuimos privilegiados al asistir al evento sobre todo por dos motivos:

Se pintaría un mural colectivo, dibujado por él, a partir de los rostros de todos nosotros y en alguna de las jornadas, debido a sus impedimentos físicos lo pintaríamos entre todos. Era un homenaje a toda su vida y obra, en especial a su famosa "Isla 70" (imagen superior), un cuadro que casi todos los cubanos conocemos desde pequeños. Poco tiempo después algún(os) irresponsable(s) repintaban de blanco -borraban- para siempre un mural histórico. La obra y la experiencia estarán siempre en nuestra memoria.

La otra irrepetible oportunidad fue disfrutar todas las noches después de las sesiones del evento, de su lectura a todos de las entonces inéditas memorias en la viva voz del maestro. Todos sus lecturas nos conmovieron y creo pensar que a pesar de las anécdotas artísticas que contaba, por la naturalidad y desenfado de cada uno de los pasajes, sobre todo sexuales (y homosexuales), ni el más optimista pensó en ese momento que el libro fuese publicado (en Cuba). Sentíamos que habíamos podido escuchar unas narraciones que muy difícilmente otros podrían conocer. Pero el peso del maestro fue mayor y confieso que fui sorprendido cuando descubrí esta vez en una librería habanera: Yo Publio.

Más allá de una ser una autobiografía o unas simples memorias, el libro nos descubre a un escritor y pensador excelente. Nos repasa su aguda visión de Cuba y de aquellos países que vivió o visitó desde la infancia hasta sus últimos días. Sus pasionales encuentros, su desgarradora vivencia y el tortuoso camino de sufrimiento por su condición sexual, que no condicionó nunca su obra, pero si la merecida repercusión internacional de una obra auténtica tanto en su etapas abstractas como ¿pop cubano?. Las anécdotas de otros artistas que conocemos desde que empezamos a ver y leer algo del arte cubano, su relación y el concepto personal de cada uno de ellos y el agudo análisis crítico de su propia obra hacen del libro el testimonio viviente de un ser humano con mayúsculas. En otra ocasión hablaré sobre la imprescindible obra de Raúl Martínez.

Un gran dolor recuerdo cuando supe de su muerte en el año 1995 apenas unos meses después de aquel evento. En ese momento no pude rendirle homenaje, hoy después de la lectura imprescindible de "Yo Publio", aprovecho para hacerlo. Gracias Maestro!.

Imágenes:
01- Portada del Libro: Yo Publio: Confesiones Raúl Martínez.
Editorial Letras Cubanas. Arte Cubano
02- Raúl Martínez. "Isla 70".
Col. Museo Nacional de Bellas Artes. La Habana
03- Del manuscrito de las memorias:
"Tendré que ponerme a escribir mis memorias, Moscú 88".
04-09- Imágenes del Libro "Yo Publio".
Archivo Abelardo Estorino, Granma y Fototeca de Cuba

Los caminos encontrados de Lam y Picasso

2009-10-17T23:57:00.006+02:00

Aunque ya en uno de los primeros post de este magazine comenté sobre el símbolo que para los cubanos representa Wifredo Lam (Sagua La Grande, 1902 - París 1982) esta vez quería establecer unos mínimos paralelos en los recorridos formales con la obra del genial Pablo Picasso. Puede decirse que Lam es para los cubanos como Picasso para los españoles. Me cuesta creer que un artista de su trascendencia no sea más (re)conocido en el propio país del pintor de esa obra maestra que es "Guernica" a pesar del tiempo que compartieron taller, conceptos, amigos, ideas y una dura pero provechosa vida en París que les sirvió para retroalimentarse creativamente uno del otro.

Muchas relaciones se pueden establecer entre Picasso y Lam. Siempre de un modo quizás simplista pienso en que "Tercer Mundo" viene a ser como Guernica y "La Jungla" es como "Las señoritas de Avignon". A pesar de que "La Jungla" es una de las obras más aclamadas del MoMA y el que sintetiza el espíritu de la obra de Lam, siempre he pensado que "Tercer Mundo" es su pieza mayor, allí donde logró despertar su más exultante energía. Un cuadro casi graffitero, con una gestualidad tremenda y un poderoso juego lineal que complementa la fuerza de un cuadro casi monocromo sin ataduras formales, un cuadro realmente libre, libre, libre. Las muchas veces que he podido acercarme al "Guernica", siempre me llega el aroma surrealista y caribeño de la obra de Lam.

Quiero aprovechar para mostrarles algunos detalles de esa genial obra que es "Tercer Mundo". Espero que lo disfruten.

Saludos, Salud y Suerte
Nos vemos pronto!

Imágenes:
Wifredo Lam. "El Tercer Mundo", 1965. Óleo/Tela; 251x300 cm
Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana.

Los conceptos de Norman Foster en Madrid

2009-09-19T20:11:00.002+02:00

Ya en un post anterior hablamos de Norman Foster, uno de los más importantes arquitectos contemporáneos. En la tarde de ayer pudimos visitar su exposición "N.F. Dibujos 1958-2008" en Art + Books de Ivorypress, la galería donde mejor podían estar sus obras, al ser un espacio diseñado precisamente por Foster aprovechando una antigua imprenta y un garaje.

Quería a pesar de la oscuridad mostrarle algunas imágenes de la muestra, que incluye más de 200 dibujos y unas espectaculares maquetas de las que por supuesto sobresale su célebre Banco de Hong Kong y el edificio Caja Madrid dentro del complejo de las Cuatro Torres Business Area (CTBA). No obstante conocer los conceptos traducidos en dibujos y manuscritos son una verdadera fortuna pues pocas veces podemos acceder a esas ideas preliminares que preceden a esas grandes edificaciones.

Con los últimos coletazos del verano madrileño, ya acosados por una pertinaz llovizna, la exposición nos presentó un duro invierno y como compensación una nueva y especial galería (más librería) para seguir en sus próximos proyectos.

Saludos, Salud y Suerte
Nos vemos pronto!

Imágenes:
01- Cartel de "Norman Foster. Dibujos 1958-2008". Madrid, 2009
02- Maqueta de Banco Hong Kong.
03, 04- Vista General de la exposición
05- Dibujo/proyecto de N. Foster
06- Detalle dibujo/proyecto de N. Foster
07- Maqueta de Edificio Caja Madrid. Madrid

Nueva obra: "Pulsos"

2009-08-01T23:58:00.001+02:00

Publicado originalmente en: www.artetuyo.blogspot.com >>

Durante el mes de julio he concentrado las energías del blog en una nueva obra de arte digital. Esta vez he podido cumplir una de las ideas que me rondaba en la cabeza desde hace varios años. Se trataba de ver mis obras en movimiento, como podían transcurrir en el tiempo con la energía vital de cada fotograma.

"Pulsos" es precisamente la fuerza de la linea continua y discontinua, la transformación de color en su ausencia, de línea en mancha, la suma más allá de las partes. Tal como el lienzo virgen en blanco (negro en este caso) cada paso me pedía irremediablemente el siguiente, en una suerte de termómetro de las pulsaciones del momento. La experimentación en nuevos discursos personales me ha supuesto el reto de acercarme a un medio dinámico, cercano y público, concebido por y para internet. El resultado me ha dejado al final, entusiasmado e inquieto en otras ideas que irán saliendo más adelante.

Aprovecho para anunciarles también el receso de los blogs durante el mes de agosto. Un nuevo viaje a la gruesa tierra cubana me hará ausente de internet. En la medida de lo posible estaré al tanto y no descarto alguna intervención. No obstante, siempre en septiembre estaremos seguros de regreso.

Para entonces, nuevos pulsos e impulsos nos esperan!

Saludos, Salud y Suerte para todos!
Nos vemos pronto!

Datos de la obra:
Título: "Pulsos"
Autor: YOel Almaguer
Música original: Victor Aroca
Madrid, julio 2009

Aprendiendo las técnicas del Grabado

2009-07-11T00:58:00.010+02:00

Rastreando en los recovecos del sitio web del MoMA, del que ya se habrán dado cuenta que soy un gran seguidor, encontré un enlace que por no por antiguo deja de ser interesante, atractivo y de muy fácil comprensión para todos los interesados en aprender algunas de las técnicas más importantes del grabado. Ver enlace Aquí >>

Se trata de un microsite con una infografía interactiva realizado en flash, en el que el propio usuario va aprendiendo a crear un grabado, mediante xilografía, litografía, calcografía o serigrafía. Se va completando paso a paso, cada proceso hasta lograr la obra impresa. Al mismo tiempo tienes la posibilidad de ver un excelente catálogo de obras importantes de la historia del arte realizadas con la técnica escogida. No pueden faltar muchos de los artistas que normalmente comentamos en este Magazine: Picasso, Miró, Klee, Matisse, Lucian Freud, Warhol, Close...y otros con los que aún tengo post pendientes como Kooning, Ensor, Lichtenstein, Indiana, entre otros.

Muchas veces se dice que la mejor manera de aprender es entreteniéndose. En esta ocasión seguro que tienen la razón. No dejen de probarlo y me cuentan.

Saludos, Salud y Suerte

Los paisajes de Iván Shishkin

2009-07-05T23:58:00.002+02:00

Cuando comenzaba mis estudios de arte, recuerdo al lado de unas delgadas pero valiosas Pinacotecas de una editorial cultural soviética - de cuyo nombre no logro acordarme- dedicadas a Rembrandt, Rubens, Matisse, Cézanne, Degas, entre muchos otros, un grueso volumen dedicado a un pintor de paisaje llamado Iván Shishkin (Yelábuga, 1832- San Petersburgo, 1898).

A pesar de lo lejano que pudiera parecer el paisaje cubano: caluroso, cálido y de una luz muy brillante e intensa, muchos amigos que de una u otra forma han pasado por ese género, en algún momento tomaron como referencia y otras veces como inspiración las obras de este pintor. La primera de las imágenes que presento hoy posiblemente sea una de las que más copias haya visto en mi vida, y la segunda, hice también una vez mi modesto intento por aprender de sus analíticos estudios, de sus pinceladas, texturas y de los minuciosos pero espontáneos detalles.

A fuerza de consumir tanto arte de la llamada etapa del "realismo socialista", siempre reconociendo sus enormes dotes técnicos, casi todos llegamos a saturarnos y rechazar el arte más naturalista y "académico" salido de aquellas lejanas tierras. Por lo complicado de resumir el tema, prometo dedicar un post más adelante. Por el momento, con la nostalgia de nuestros inicios, le dedico un pequeño homenaje en nuestro magazine.

Agrego a ello, que desde que comenzó el verano madrileño aprovechando el buen tiempo, en la medida que el poco tiempo me lo permite, trato de dedicar unos minutos a pequeños esbozos con elementos paisajísticos o del resto del entorno... Cuando comienzo, me vienen primero a la cabeza los fabulosos paisajes de Iván Shishkin.

¡Saludos, Salud y Suerte! Nos vemos pronto

Listado de Obras:
01- Iván Shishkin. "Oaks", 1887. Museo del Estado Ruso. San Petersburgo.
02- Iván Shishkin. "Pine-Trees Lit Up by the Sun", 1880. Galería Tretyakov. Moscú.
03- Iván Shishkin. "Noon in the Neighbourhood of Moscow", 1869. Galería Tretyakov. Moscú.
04- Iván Shishkin. "Rye Fields", 1878. Galería Tretyakov. Moscú.
05- Iván Shishkin. "Mast-Tree Grove". 1898. Museo del Estado Ruso. San Petersburgo.
06- Iván Shishkin. "The oak grove". 1887. Museo del Arte Ruso, Kiev, Ucrania.
07- Iván Shishkin. "Rain in an oak wood", 1891. Galería Tretyakov. Moscú.
08- Iván Shishkin. "The Mordvinovo Oaks". 1891. Museo del Estado Ruso. San Petersburgo.
09- Iván Shishkin. "Pine Forest in Sestroretsk". 1891. 1896 - The Serpukhov Historical and Art Museum, Rusia.

Enlaces relacionados:
Iván Shishkin en Wikipedia >>

Esos pequeños grandes detalles del Guernica

2009-06-27T23:57:00.015+02:00

Me es difícil creer que se pueda resumir la trayectoria de un artista en una sola obra. En el caso del gran Picasso, sucede que su célebre "Guernica" tiene una gran parte del protagonismo del arte del siglo XX, tanto por la crítica artística como por el gran público. En el blog acostumbro a hablar de artistas, no de obras, pero su alcance me obliga hacer una excepción.

Hace unos días, como parte de un segundo encuentro con amigos bloggeros por Madrid, nos llegamos por el Museo Reina Sofía precisamente con el deseo de acercarnos a ver nuevamente el cuadro. Tuvimos la enorme suerte de que la profesora Pilar Álamo, nos diera una disertación sobre los antecedentes y aspectos conceptuales del lienzo. Pocas obras, están marcadas tanto por el peso de la historia y sobre todo han hecho trascender un acontecimiento, horrible pero que paradójicamente nos dejó una de las obras universalmente más importantes y reconocidas de todos los tiempos. "Guernica" dibuja una nueva línea en la consagración técnica y creativa del genio malagueño. Es una obra inmensamente rica en símbolos, se escucha el sonido del dolor, el desespero y el desamparo, la inocencia y el grito de las víctimas. En los enunciados para un nuevo enfoque del arte contemporáneo, en el cuadro encontramos todos ellos casi como ninguna otro: su contexto, representacionalidad, aspecto, género, material, iconografía, escala...

Cuantas lecturas detalle a detalle pueden extraerse de ese muro de cerca de 8 metros de largo, que se muestra imposible de abarcar en una primera mirada. Los amigos que me dieron testimonio de haber visto esta obra maestra por primera vez, me comentaban que eran golpeados por la energía y la fuerza dados por la dimensión. En mi caso, sucedió lo contrario, tal vez la carga de expectativa, me atraparon sus muchos detalles que fui recorriendo palmo a palmo en la mínima distancia que permiten las cintas de protección.

Para todos aquellos que no han podido detenerse frente a la obra, les regalo estas fotos que he podido hacer en la última visita (recuerden ampliarla). Aunque valoro la obra en su conjunto, seguiré siendo un gran admirador de esos pequeños grandes detalles que nos deja el "Guernica".

Enlaces relacionados:
"Guernica" en el Museo Reina Sofía >>
"Guernica" en Wikipedia >>
Recreación de "Guernica" en 3D por Lena Gieseke >>

Brillante luz de Sorolla en el Prado (final)

2009-06-13T11:21:00.001+02:00

Quería hacer un aparte en la muestra de Joaquín Sorolla en el Museo Nacional del Prado de Madrid, de los 14 monumentales paneles "Visión de España", que realizó para los muros de la Biblioteca de la Hispanic Society, uno de sus últimas obras, que lo consagró definitivamente como un pintor de talla universal. Las enormes dimensiones te convierten en un ser minúsculo frente al poder de la historia traducida en imágenes grandiosas. A pesar, según mi opinión del "folclorismo" y atiborramiento en las representaciones de algunas de las provincias, fruto del propio encargo, las obras en su conjunto son extraordinarias. La mayoría me parecieron piezas grandiosas, para enmarcar, en el enorme catálogo que nos dejó para la historia del arte. Me encantaron sobre todo "Ayamonte. La pesca del atún" y "Andalucía. El encierro" con una composición y un ritmo visual impresionante.

Espero con estas pequeñas notas, haber podido trasmitir los aspectos esenciales de esta amplia exposición, sobre todo a aquellos que no tienen la posibilidad de visitarla. Por nuestra parte, hemos salido totalmente satisfechos del esfuerzo del Museo del Prado por reunir a través de varias colecciones del mundo, todo el potencial pictórico de Joaquín Sorolla.

Saludos, Nos vemos pronto!

Relación de Obras:
01- Cartel Expo de Sorolla. Museo del Prado. Junio 2009
02- Joaquín Sorolla pintando "El Mercado" en Extremadura.
03- La Colección "Visión de España" en la The Hispanic Society of America (HSoA). NY
04- Joaquín Sorolla. "Ayamonte. La pesca del atún", 1919. Col. HSoA. NY
05- Joaquín Sorolla. "Andalucía. El encierro", 1914. Col. HSoA. NY
06- Joaquín Sorolla. "Extremadura. El mercado", 1917. Col. HSoA. NY
07- Joaquín Sorolla. "Aragón. La jota", 1914. Col. HSoA. NY
08- Joaquín Sorolla. "Sevilla. El baile", 1914. Col. Col. HSoA. NY
09- Joaquín Sorolla. "Sevilla. Los nazarenos", 1914. Col. HSoA. NY
10- Joaquín Sorolla. "Sevilla. El baile", 1914. Col. HSoA. NY

Enlaces relacionados:
Página oficial de la Exposición en Museo del Prado >>
The Hispanic Society of America >>
Joaquín Sorolla en Wikipedia >>
Museo Sorolla. Madrid >>

Brillante luz de Sorolla en el Prado (I parte)

2009-06-06T23:15:00.002+02:00

Desde hace una semana Joaquín Sorolla, (Valencia, 1863 - Cercedilla, 1923) está de visita en el Museo Nacional del Prado de Madrid y aprovechamos para acercarnos tras la expectativa que tenía con la muestra y de paso como ya había comentado anteriormente, saldar una deuda personal con su obra.

La retrospectiva que reúne 102 pinturas, recorre la mayor parte de la trayectoria del importante pintor valenciano. Dos cosas me parecieron notables: el enorme talento que mostraba desde edades tempranas (premios importantes incluidos) y que a pesar de algunos comentarios que he leído a propósito de la muestra, lo sigo considerando un auténtico impresionista en todos los sentidos. Quizás la temática pueda influir en ello, pero la idea de captar un momento, un instante; salir del estudio, coger la paleta, los lienzos y pinceles y salir a exprimir lo más puro de la luz solar y justo en el mar donde posiblemente más brille, unido a la gestualidad, las pinceladas ondulantes y la densidad de los empastes, creo que son más que sobradas evidencias que no andaba nada alejado de los pasos impresionistas.

Es significativo y curioso, la influencia que tuvo la naciente fotografía en toda su obra (justificado por la amistad con Juan Antonio García, hermano de su futura esposa) sobre todo en sus ángulos inclinados, figuras, "encuadres" de los elementos bruscamente cortados, la diferencia entre los planos y la utilización de exageradas, espectaculares y muchas veces claustrofóbicas perspectivas que atacan y comprometen al espectador. Otro de los posibles "prestamos" fotográficos que pude notar es el uso de escenas con saturación de blancos en muchas de sus pinturas. Blanco con blanco sobre blanco resulta una mezcla extrañamente atractiva, compleja y original.

Nos vemos pronto!
Saludos, salud y suerte

(continuaré próximamente con un comentario sobre los paneles "Visión de España" presentes también en la exposición)

PD: Disculpen la falta de entregas últimamente, pero estoy recibiendo un curso de Flash y apenas me queda un poco de tiempo los fines de semana para todas las tareas)

Relación de Obras:
01- Joaquín Sorolla. "El baño del caballo", 1909. Museo Sorolla. Madrid
02- Joaquín Sorolla. "Chicos en la playa", 1909. Museo del Prado. Madrid
03- Joaquín Sorolla. "Paseo a la orilla del mar", 1909. Museo Sorolla. Madrid
04- Joaquín Sorolla. "¡Aún dicen que el pescado es caro!", 1894. Museo del Prado. Madrid
05- Joaquín Sorolla. "Trata de blancas", 1895. Museo Sorolla. Madrid
06- Joaquín Sorolla. "Cosiendo la vela", 1896. Museu Civici di Venezia
07- Joaquín Sorolla. "¡Triste herencia!", 1899. Colección Bancaja. Valencia
08- Joaquín Sorolla. "Sol de la tarde", 1903. The Hispanic Society of America. NY
09- Joaquín Sorolla. "Desnudo de mujer", 1902. Colección particular
10- Joaquín Sorolla. "Antonio García en la playa", 1909. Museo Sorolla. Madrid

Enlaces relacionados:
Página oficial de la Exposición en Museo del Prado >>
Joaquín Sorolla en Wikipedia >>
Museo Sorolla. Madrid >>

Norman Foster: la columna infinita

2009-05-20T23:54:00.004+02:00

No suelo hablar de arquitectura, quizás un poco por desconocimiento en muchos de sus entresijos técnicos, no así por pasión, pero casualmente el post anterior lo había dedicado al cincuentenario del Museo Guggenheim de New York del genial Frank Lloyd Wright y ahora conocemos la noticia que Norman Foster (Manchester, 1935) ha obtenido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2009.

El acta del jurado argumenta que.. "Su obra de alcance universal conjuga la calidad estética, la reflexión intelectual y el diálogo entre territorio y ciudadanía, a través de un original dominio del espacio, la luz y la materia. Norman Foster, arquitecto de la era global, anticipa con brillantez la única "polis" posible en el siglo XXI, al servicio del desarrollo sostenible y de la libertad personal y social"

Foster, no es precisamente de mis arquitectos favoritos, pero reconozco el imprescindible ejercicio de riesgo que ha hecho trascender la mayoría de sus proyectos. Tal parecen colosales esculturas que dibujan limpias formas en el espacio, mezclándose con el entorno. Aquí, en la creatividad, es donde apunto lo más atractivo de su trayectoria. Ya vemos que no solo hablamos de Norman Foster como un arquitecto del siglo XX, sino del alcance que tendrá en el siglo XXI.

Saludos, Salud y Suerte!

Imágenes:
01- Norman Foster. Swiss Re HQ, 30 St Mary Axe. Londres, UK, 1997-2004
02- Norman Foster. Torre Hearst. New York, 2000-2006
03- Norman Foster. City Hall, Londres, UK, 1998-2002
04- Norman Foster. City Hall (interior), Londres, UK, 1998-2002
05- Norman Foster. Reichstag. Nuevo Parlamento Alemán. Berlin, Alemania, 1992-1999
06- Norman Foster. Budenberg Haus. Manchester, UK, 2000-2005
07- Norman Foster. San Marino World Trade Centre. San Marino, 1999-2004
08- Norman Foster. Torre Caja Madrid. Cuatro Torres Business. Madrid. España. 2009
09- Norman Foster. Proyecto de la Corte Suprema de Justicia. Madrid. España
10- Norman Foster. Proyecto "Camp Nou Stadium" FC Barcelona. Barcelona, España
Fotos tomadas de Sitio web de Norman Foster + Partners y Wikipedia.

Enlaces relacionados:
www.fosterandpartners.com
Norman Foster en Wikipedia >>

Guggenheim Museum de NY: 50 años

2009-05-16T15:30:00.000+02:00

El Museo Solomon R. Guggenheim de New York cumple 50 cumpleaños y nada mejor para homenajearlo que tomar imágenes prestadas, que se encuentran por internet, de esa obra maestra de la arquitectura moderna, realizada por el norteamericano Frank Lloyd Wright (1867-1959), quien junto a Le Corbusier, Mies van der Rohe y Oscar Niemeyer conforman mi galería de arquitectos favoritos.

El Museo aprovecha la ocasión para homenajear a su creador y su obra, con una amplia exposición: "Frank Lloyd Wright: From Within Outward", con algunas de las ideas, dibujos y maquetas originales. La enorme espiral que preside e identifica al edificio, es uno de los elementos iconográficos de la arquitectura del siglo XX, y que por paradógico que parezca, una vez más hay que decir, que en sus inicios fue increíblemente cuestionada. Uno de los conceptos más interesantes que planteaba era que las exposiciones se debían recorrer de forma descendente y no al contrario como es la tradición, incluso actualmente. Esos grandes espacios visuales, esas infinitas líneas que se crean desde cualquier ángulo, tanto en exteriores como interiores, seguro fueron demasiado agresivos para su época. Hoy los agradecemos.

Si un día deseo darme otra vuelta por New York, uno de los principales motivos será saldar la deuda que tengo con la visita al Museo Guggenheim.

Saludos, Salud y Suerte!

Imágenes:
01- Frank Lloyd Wright. Museo Guggenheim, NY. Fotoflickr: focusc
02- Frank Lloyd Wright. Perspective Museo Guggenheim, NY. 1943.
Acuarela y tinta s/ papel.
03- Frank Lloyd Wright. Museo Guggenheim, NY. Tomado de Wikipedia: Gaf.arq
04- Frank Lloyd Wright. Museo Guggenheim, NY.
© The Solomon R. Guggenheim Foundation, NY.
05- Frank Lloyd Wright. Museo Guggenheim, NY.Fotoflickr: Phren
06- Frank Lloyd Wright. Museo Guggenheim, NY.Fotoflickr: loop_oh

Enlaces relacionados:
www.guggenheim.org - Web oficial Museo NY

Richard Serra y el óxido encantado

2009-05-06T23:55:00.001+02:00

Generalmente, movidos por la tradición, se asocia la escultura a un ejercicio de manualidad artística; sin embargo, cuando nos encontramos ante las monumentales obras del norteamericano Richard Serra, (San Francisco, 1939) la mayoría, salvo duras excepciones, reconoce que aunque es un trabajo muy alejado del clásico oficio se trata de obras innovadoras, aplastantes y atractivas; reconocen que es un placer increíble caminar por los laberintos de sus piezas.

Por muy impersonales y frías que pudieran parecer unas simples láminas de acero oxidadas, la experiencia visual y emocional y su especial relación con el entorno urbano o natural es sorprendente. Las enormes instalaciones aumentan su fuerza con el proceso de montaje que crean todo un espectáculo, como si se tratara de una compleja obra de ingeniería o arquitectura. Desde sus inicios en la "process art" ya Serra mostró interés por todo lo que envuelve el proceso creativo más allá del resultado de la obra.

Al mismo tiempo de dialogar con el público, en un contrapicado de inferioridad otorgado por el peso, el reto al equilibrio, la agria textura matérica y la altura de las instalaciones, las esculturas del multifacético Richard Serra son, por fortuna, un resguardo para el espacio y la poesía.

Imágenes:
01- Richard Serra
02- Richard Serra. "La materia del tiempo", 2005. Guggenheim, Bilbao. Fotoflickr: Purple Cloud
03- Richard Serra. "Promenade". Monumenta 2008, Grand Palais, Paris. Fotoflickr: dalbera
04- Richard Serra. "Forty Years". MoMA, NY. Fotoflickr: wallyg
05- Richard Serra. "Forty Years". MoMA, NY. Fotoflickr: wallyg
06- Richard Serra. "Forty Years". MoMA, NY. Fotoflickr: wallyg
07- Richard Serra. "Clara, Clara", 1983, Jardin des Tuileries à Paris. Fotoflickr: dalbera
08- Richard Serra. "Clara, Clara". 1983. Monumenta 2008. Fotoflickr: pingui75
09- Richard Serra. "Wake", 2004. Olympic Sculpture Garden Seattle. Fotoflickr: Hulya in Portland

Enlaces relacionados:
Richard Serra en Wikipedia >>
Interactivo Expo Richard Serra. Sculpture: Forty Years. MoMA, 2007 >>
Vídeo Expo Richard Serra. Sculpture: Forty Years. MoMA, 2007 >>
Hoja didáctica "La materia del tiempo". 2005. Guggenheim, Bilbao >>

Bitácora de la Tristeza

2009-05-02T12:21:00.008+02:00

Publicado originalmente en: www.artetuyo.net >>

Tenía pendiente desde hace un tiempo, mostrarles el diseño de cubierta que realicé para el Libro "Bitácora de la Tristeza", Premio Iberoamericano de Décima "Cucalambé" 2007, del escritor cubano Alexander Besú (1970) . Como ha sido presentado en la última Feria Internacional del Libro de la Habana, ya me puedo permitir compartirlo con ustedes.

Me gustaría dedicarle más tiempo a la ilustración, pero entre tanto trabajo, casi nunca me es posible, de modo que trato de aprovecharlo cuando me lanzo en alguna aventura. "Bitácora de la Tristeza" fue una lectura extraordinaria, así que traté de sacarle provecho a las imágenes que iba "visualizando". Me pareció un libro profundo al tocar temas tan complejos como el dolor, el sufrimiento y la muerte, con el contrasentido de hacerlo muchas veces de modo irónico y hasta sarcástico. Ojalá en la ilustración el autor haya encontrado motivos para la coincidencia y el lector un resultado atractivo. Siempre es muy difícil por la subjetividad de los textos.

Fue una experiencia positiva, enfrentarme después de mucho tiempo a este nuevo trabajo. Como lo más importante no es la cubierta, sino la literatura, les dejo con una de las décimas del libro.

DOMINGO OCHO

No hay trazos
de nobleza en mi blasón
Vuelvo a ser el anfitrión
de la tristeza No hay plazos
Vuelven los aldabonazos
contra mi puerta Me asedia
media vida de tragedia
sin derecho a transgredir
(¡y me queda por vivir
la otra media!)

Se vuelve a nublar enero
Vuelvo a ser un hombre solo
Mi locura rechazó lo
esencial: un asidero
Vuelvo a ser protervo y fiero
malhablado y prepotente
Vuelvo a ser un indecente
y vuelvo a gritar tu nombre
para volver a ser hombre
nuevamente

Alexander Besú

Imagen:
"Bitácora de la Tristeza". Décimas de Alexander Besú.
Ilustración y diseño de Cubierta: YOel Almaguer

Enlaces relacionados:
Presentación del libro por Pedro Péglez González >>

Edward Hopper y la tortura de la soledad

2009-04-30T23:48:00.019+02:00

Para mi hermano Roger, por su cumple :-)

Siento especial fascinación por los cuadros de Edward Hopper (New York, 1882 - 1967). A veces he pensado que gracias a su tratamiento del color, la luz natural y sus pronunciadas sombras, no le fue necesario que sus escenas fueran personajes introvertidos, escenas nocturnas y edificios abandonados, para que sus obras desnudaran la tortura de la soledad y la oscuridad del individuo ajeno del resto de los mortales.

Muchos de los lienzos de Hopper se convierten en una especie de irrealidad metafísica, sin embargo nos parecen situaciones cercanas, en las cuales tienes la impresión de reconocer a sus personajes. Sus pinturas sugieren fotogramas de una escena en cámara lenta. Diapositivas que una tras otra nos van contando fragmentos de nuestras-otras vidas. Nos pueden parecer fondos de una obra de teatro con una iluminación capaz de hacer visible aquello que pensamos es menos importante y donde los protagonistas son solo siluetas. Parece recordarnos la belleza de las cosas simples, del espíritu y de la verdadera dimensión del ser humano.

Edward Hopper: atemporal y universal. Quizás por todo ello, su huella se esconde en muchas obras y artistas posteriores. Quizás por ello encienda la luz y nos apague la voz.

Imágenes:
01- Edward Hopper. "Autorretrato", 1925-30. Whitney Museum of American Art, NY.
02- Edward Hopper. "Room Sea", 1951 - Yale University Art Gallery
03- Edward Hopper. "The House By The Railroad", 1925. MoMA, NY
04- Edward Hopper. "Early Sunday Morning", 1930. Whitney Museum of American Art, NY
05- Edward Hopper. "Captain Upton’s House", 1927. Col. Steve Martin
06- Edward Hopper. "Nighthawks", 1942. The Art Institute of Chicago
07- Edward Hopper. "Nighthawks", (detalle) 1942. The Art Institute of Chicago
08- Edward Hopper. "Chop Suey", 1929. Col. Barney A Ebsworth
09- Edward Hopper. "New York Movie", 1939. MoMA
10- Edward Hopper. "Morning Sun", 1952. Columbus Museum of Art, Ohio
11- Edward Hopper. "A Woman in the Sun", 1961. Whitney Museum of American Art
12- Edward Hopper. "Hotel-Room", 1931. Fundación Thyssen-Bornemisza

Enlaces relacionados:
Edward Hopper en Wikipedia >>
Especial Exposición MFA Boston 1997 >>

De Madrid a Aranjuez

2009-04-24T23:49:00.002+02:00

El pasado fin de semana fuimos invitados al municipio madrileño de Aranjuez a conocer personalmente a varios bloggeros -muchos de los cuales comentan asiduamente en este Magazine- y unido a ello, realizar un recorrido por la ciudad.

Alejarnos de la rutina de Madrid unos días ha sido reconfortante. Como además, lo justificaba un buen motivo, mejor aún. Para comenzar me permito un resumen..

En Aranjuez vimos esto:

en Madrid vemos esto:

En Aranjuez vimos esto:

en Madrid vemos esto:

Aunque pueda ser exagerado, no deja de ser verdad que los pulmones reciben una bocanada de aire fresco que se agradece. Pero, por encima de la hermosa parte natural, lo más provechoso fue el encuentro con varios amigos que poco a poco nos hemos conocido a través de esta comunidad de blogs. Es imprescindible destacar lo buenos huéspedes que fueron Pilar Álamo y Julio Gómez, una pareja humanamente increíble, con una sabiduría casi renacentista que nos iluminó a todos... Su conocimiento de los más mínimos detalles de los orígenes de la historia, arte, arquitectura e ingeniería de la ciudad, complementados con una cultura universal poco común nos dejaron perplejos. Pocas veces en mi vida he podido disfrutar aprendiendo tanto de un lugar que haya visitado. Aprovecho la posibilidad que me da el blog para dar muestras a los dos, de nuestro agradecimiento y felicitación por el éxito del encuentro. Igual ha sido muy enriquecedor conocer a las demás amigos, inteligentes y encantadores todos.

Aprovecho para mostrarles varias fotografías de algunos de los lugares más significativos y las direcciones de los blogs de los participantes. No pierdan la oportunidad de visitarlos y por supuesto, visitar Aranjuez. Nosotros seguro repetiremos.

¡Nos vemos pronto!

Enlaces de bloggeros participantes:
Pilar Alamo: Color y Forma >>
Carmine: El País de las Letras >>
Mangeles Fernández: Mangelesky >>
Carmen: La Cantina >>
Balovega >>

Egon Schiele: El drama existencial

2009-04-12T15:18:00.004+02:00

Si hace pocos meses comentábamos sobre la tortuosa vida de Francis Bacon, el solo hecho de que Egon Schiele (Tulln, Austria, 1890 – Viena, 1918) "sobrevivió" solo 28 años es una señal de cuanto tuvo de lidiar en su camino hacia una consagración que le llegaría precisamente en el final de su corta existencia.

Pero en ese lapso de tiempo Schiele fue capaz de mostrarnos el drama de la soledad y el desamparo, nos mostró la crudeza y textura de la carne, su erotismo sensual y mórbido sin fronteras ni límites. En tan corto tiempo dejó una inmensa producción de obras de un realismo conmovedor, sin cortinas que nos oculten la vulnerabilidad humana, el peso existencial que siempre sufrió sobre sus hombros: por un lado la censura y la cárcel y por el otro la enfermedad que le costaría la vida a sus seres queridos y al final la suya.

Los atormentados e introvertidos dibujos y pinturas de Egon Schiele fueron básicos para el expresionismo. Sus humildes lecciones de honestidad hoy se agradecen con el reconocimiento de una obra inmensa y sincera.

¡Nos vemos pronto!

Imágenes:
01- Egon Schiele. "Autorretrato", 1910. Leopold Museum, Viena
02- Egon Schiele. "Autorretrato con la mano en la mejilla", 1910. Graphische Sammlung Albertina, Vienna
03- Egon Schiele. "Autorretrato desnudo", 1910.
04- Egon Schiele. "Autorretrato con farolillo chino", 1912.
Leopold Museum, Viena
05- Egon Schiele. "Autorretrato con cabeza inclinada", 1912.
Leopold Museum, Viena
06- Egon Schiele. "Desnudo Femenino", 1910.
Graphische Sammlung Albertina, Vienna
07- Egon Schiele. "Mujer en medias negras", 1913.
08- Egon Schiele. "Desnudo femenino sentado", 1914.
09- Egon Schiele. "Mujer semidesnuda reclinada", 1911.
Graphische Sammlung Albertina, Vienna
10- Egon Schiele. "Madre e Hija", 1913.
11- Egon Schiele. "Dos Mujeres", 1915.
Graphische Sammlung Albertina, Vienna
12- Egon Schiele. "La Amistad", 1913.

Enlaces relacionados:
Egon Schiele en Wikipedia >>
Leopold Museum Viena >>
Graphische Sammlung Albertina, Vienna >>

MoMA.org se renueva

2009-04-08T19:57:00.013+02:00

Quizás ya no sea novedad para algunos, pero quería compartir esta buena nueva. Hace cerca de un mes, www.moma.org ha sido renovada totalmente. No es que hiciera mucha falta porque la anterior era una web de referencia, si bien es cierto que ya iba necesitando una "pinturita".

Con los cambios el MoMA, apuesta por un espacio más dinámico y cercano, aprovechando las posibilidades que poco a poco habían ido incorporando, pero que necesitaban consolidar: el buen cambio de identidad visual que recientemente habían realizado y su participación activa en varias redes sociales. En este ultimo aspecto, ha sido muy positivo su relación con los visitantes no solo en su sede, sino con los usuarios online, a través de su participación en Facebook, Twitter, Flickr y un canal en Youtube, subscripción postcast, todo con comentarios de exposiciones, eventos y actividades. Es notable la seriedad con que han tomado también la contribución de los propios usuarios.

En específico sobre el rediseño, podemos destacar que hay más uso del color y un mayor peso de las imágenes, sin descuidar la calidad de la información que ya tenían y que ahora puede accederse cómodamente. Una de las secciones que más se agradece su facilidad es la de la colección de obras, pues ahora de un simple vistazo puede verse el catálogo de cada artista. También es muy útil la sección multimedia que incluye vídeos, audio e interactivos con documentos tanto históricos como de actualidad. A la vez, podemos personalizar la web según nuestros intereses, con la posibilidad incluso de hacer nuestra propia colección, enviar postales online... ¡Todo a mano!

En general una excelente noticia para todos los amantes de este museo, que guarda una gran parte de los tesoros importantes del arte moderno. Aunque ya tuve el enorme placer de recorrer sus salas, siempre es recomendable su visita virtualmente detrás de la pantalla.

Nos vemos pronto!

Enlaces relacionados:
www.moma.org
MoMA en Facebook >>
MoMA en Twitter >>
MoMA en Flickr >>
Canal de MoMA en Youtube >>
Subscripción postcast >> (Itunes imprescindible)

Mondrian - La matemática del color

2009-03-28T23:48:00.005+01:00

El día que vi personalmente una obra de Piet Mondrian (Holanda 1872 - NY, 1944) pensé que me encontraría con una pintura preciosista y técnica sabiendo los antecedentes que rodeaban su pensamiento; sin embargo en la cercanía se trata, como abstracción al fin, de pinturas espontáneas y frescas, aunque a diferencia de los demás solo formalmente, solo en su aspecto y su apariencia.

Mondrian ha sido sin dudas uno de los más complejos pintores de toda la historia, tras sus cortina de líneas, cuadros y rectángulos de colores primarios se esconde todo un profundo análisis matemático y filosófico que convierte su obra en mucho más que abstracción. Su mayor motivación era alejarse totalmente de la tradición de representación, hasta simplificarlo todo a la máxima expresión. Su idea metodológicamente concebida hasta al mínimo detalle, la desarrolla desde lo que consideraba la estructura básica de la vida. Con formas puras, con los colores esenciales, planos rojos, amarillos y azul, acompañadas de líneas blancas y negras, con esa materia prima y sin recurrir a las formas curvas, fue capaz de crear todo un lenguaje de una riqueza visual maravillosa.

Ese lenguaje creado por Piet Mondrian, que sustituyó al objeto, a la representación; ese arte exteriorizado desde el más profundo conocimiento fue un arte sin fronteras, universal, que nos seguirá iluminando para siempre.

Imágenes:
01- Piet Mondrian. "Composition II in Red, Blue, and Yellow", 1930
02- Piet Mondrian. "Composition with Large Blue Plane, Red, Black, Yellow, and Gray", 1921. Dallas Museum of Art
03- Piet Mondrian. "Composition with Yellow, Blue, and Red", 1921. Tate Gallery. London
04- Piet Mondrian. "Composition with Red, Black, Blue, and Yellow", 1925. Colección Privada.
05- Piet Mondrian. "Composition No 8", h. 1939-42. Kimbell Art Museum.
06- Piet Mondrian. "Broadway Boogie Woogie" h. 1942-1943. MoMA, NY
07- Piet Mondrian. "Composition 10", 1939-1942. Colección Privada.

Enlaces relacionados:
Piet Mondrian en Wikipedia >>

100 post, nuevo dominio, nueva imagen

2009-03-21T11:27:00.002+01:00

Contando las motivaciones que me llevaron a crearlo, el 8 de junio del 2008 iniciamos la andadura por esta especie de Magazine de Arte y Diseño y después de unos meses ya contamos con los primeros 100 post. Como pensamos que nos ha dado y seguirá dando tantas satisfacciones lo hemos querido celebrar "mudándonos" a un dominio propio y con un pequeño retoque a la imagen de cabecera que espero que les guste. De modo que ya saben, a partir de hoy pueden entrar directamente desde: www.yoelmagazine.com

Haciendo un alto en el camino, con seguridad podemos decir que los nuevos amigos y todos los comentarios que han sido publicados ha sido lo más reconfortante en todo este tiempo. Por otro lado, la necesidad de investigar y buscar imágenes -siempre procurando que fueran de la máxima resolución posible- me ha permitido aprender y profundizar en la vida y obra de muchos artistas y diseñadores, no solo con los imprescindibles libros y revistas, sino a través de la inmensa cantidad de buenos artículos, documentos y webs que se pueden encontrar en internet, pero sobre todo de esos blogs que ya son referencia y lectura diaria para mí y que conforman una verdadera comunidad.

Muchas ideas tenemos para el futuro que poco a poco esperamos ir realizando. El mayor deseo es ir sumando cada día más lectores y sobre todo que pueda aportarles un punto de vista diferente en la apreciación del complejo mundo del arte.

Esta vez como imagen, les dejo para los nostálgicos una imagen del diseño anterior :-).

¡Nos vemos pronto!

ACTUALIZACIÓN: Con el cambio al nuevo dominio, se han perdido las referencias a la mayoría de las imágenes del blog. Estoy trabajando para tratar de arreglar el problema, así que pido disculpas a todos los lectores. Saludos

Mark Rothko: el alma del color

2009-03-19T18:16:00.015+01:00

En víspera del centenar de post del magazine (esperen sorpresas) le he dado vueltas a que artista especial seleccionaba. He revisado el historial publicado hasta el momento y me ha parecido increíble, no encontrar en el listado el que posiblemente en la última década sea mi pintor preferido, no solo por su obra, sino por inspirar en parte la mía: Mark Rothko (1903-1970).

Confieso que en mis inicios, menospreciaba la abstracción en la relación a otros movimientos artísticos, pero mi apreciación cambió puedo decir casi, que de golpe. Un buen día, sentí que mi obra estaba cayendo en demasiado tecnicismo y detalle al extremo de sentirme maniatado y por supuesto limitado, así que de momento me puse a experimentar con cartulinas totalmente en blanco, creo que si existe eso que llaman inspiración, nunca he tenido una jornada tan productiva como esa. Entonces comprendí lo tremendamente complicado que es pintar abstracción pura y dura. Pero igual también es muy reconfortante y liberador. Desde esos días Mark Rothko es una de mis principales referencias.

Poco a poco, he tenido el inmenso privilegio de conocer algunos de sus cuadros "en vivo". Puedo asegurarles -una vez más- que es imprescindible verlos en su verdadera dimensión, justo porque fueron hechas para aplastarte y empequeñecerte. Si te quedas apenas unos minutos frente a sus enormes cuadros, te sientes totalmente absorvido por toda la filosofía y mística que rodea su obra. Con sus grandes superficies de color y el difuminado entre ellas, es capaz de regalarnos una lectura de la vida diferente, del placer y el dolor, de los grandes contrastes, de la vida y la muerte, lo claro y oscuro, del blanco y el negro, del color y el monocromo... pero también de esas analogías misteriosas: de lo profundo, el infinito, del existencialismo total.

Pienso que nadie como Rothko, ha sabido trasmitirnos tanta intensidad con tanta economía de medios, tanta lirica con apenas tres, cuatro, cinco masas de color en un lienzo, que aparentemente pueden parecer, que nada dicen. Nada más lejos de la verdad. Por ello Mark Rothko siempre será un maestro, mi maestro.

Imágenes:
01- Mark Rothko en una retrospectiva de su obra. 1961, Hamburgo.
02- Mark Rothko. "No. 5/No. 22", 1949. Óleo en lienzo. MoMA, NY.
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / ARS, NY
03- Mark Rothko. "No. 3/No. 13", 1949. Óleo en lienzo. MoMA, NY.
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / ARS, NY
04- Mark Rothko. "No. 10", 1949. Óleo en lienzo. MoMA, NY.
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / ARS, NY

Enlaces relacionados:
Mark_Rothko en Wikipedia >>
Web sobre Mark Rothko en la web de la Galería Nacional de Washington >>
Colección de Mark Rothko en el MoMA de NY >>
Vídeo recomendado sobre Mark Rothko en Youtube >>

World Builder: La fantasía de Bruce Branit

2009-03-16T23:33:00.005+01:00

En mis andares por la red, diariamente veo cientos de cosas interesantes y admirables. No es un secreto para nadie, que los medios audiovisuales son cada vez más accesibles a los productores independientes. Por otro lado la evolución de internet bajo el concepto de "compartir", ha permitido por diversas vías que los creadores pongan su trabajo al alcance de todos.

Quiero mostrarles uno de los últimos vídeos que camina por la red, a través de enlaces en webs, blogs... Se trata de un cortometraje realizado en apenas un par de años con herramientas bastante comunes no -solo- en las grandes compañías sino en puestos personales: LighWave (modelado y animación 3D), Digital Fusión (montaje y postproducción), Adobe Premiere (edición) y el siempre imprescindible Photoshop para el retoque de imágenes y fotogramas en este caso.

Sin ser una historia de grandes pretensiones, Bruce Branit, nos regala una idea sencilla con sabor poético y onírico, donde lo más curioso es la narración apoyada precisamente en lo que puede ser la construcción de una ciudad no por los medios arquitectónicos tradicionales sino a través de los medios digitales. Por suerte o no, cuando has trabajado con estas herramientas o similares, no solo valoras las historias, también te adentras en los aspectos técnicos de la realización. Estos trabajos realizados con talento y pocos recursos son siempre inspiración para muchos que comienzan.

Sin más, cierren las cortinas de casa para que disfruten: "World Builder" de Bruce Branit.

¡Nos vemos pronto!
Saludos, Salud y Suerte

Enlaces relacionados:
Bruce Branit en Vimeo >>

Stefan Sagmeister - el diseño atrevido

2009-03-08T23:37:00.005+01:00

"He visto películas que que me han conmovido, he leído libros que han cambiado mi modo de ver las cosas y he escuchado música que ha influido en mi ánimo. Nuestro objetivo será llegar al corazón de la gente con el diseño".

Esta contundente frase, retrata el afán de Stefan Sagmeister (Austria, 1962) por transformar las estructuras convencionales del diseño actual. Y lo demuestra día a día con una obra destacada no solo en los círculos del diseño sino ya también en el mundo artístico, donde se mueve en los límites del diseño y arte conceptual. En cualquiera de sus trabajos es capaz de lo más crudo, incluso grabándose sobre su propia piel, por tal que su mensaje sea incisivo, real, cercano. El mismo recurso que ha utilizado en sus colaboraciones con importantes músicos en las cubiertas de sus discos como The Rolling Stones, Talking Heads y David Byrne, Lou Reed...entre otros.

Por esas casualidades que a veces no lo parecen, ya realizando este post, hoy he podido ver en librería: "Things I have learned in my life so far" con los pensamientos y trabajos del propio Sagmeister. Es una preciosa edición de la cual le muestro en una de las imágenes su portada, bueno, una de las portadas, porque lo más interesante es que no es única. Al estar troquelada, puedes cambiarla a tu gusto, al cambiar el orden de los interiores. Una gran idea y sobre todo un resultado original propio de sus creativas ideas.

Stefan Sagmeister nos va dejando a su paso un portafolio impresionante y original, que hace justicia a sus pretensiones de convertir el diseño en algo más allá que el impulso al consumo, para como bien nos dice "sea capaz de llegar al corazón del espectador". Habrá que seguir pendiente de sus nuevas creaciones.

¡Nos vemos pronto!

Imágenes:
01- Stefan Sagmeister. Poster para el Album "Set the Twilight Reeling" de Lou Reed.
02- Stefan Sagmeister. Poster para "Aiga Detroit"
03- Stefan Sagmeister. Portada del Libro "Things I have learned in my life so far" (folleto interior en azul)
04- Stefan Sagmeister. "Schaurasusch - Art in 50 Shop Windows"
05- Stefan Sagmeister. Poster para "Adobe Design Achievement Award"
06- Stefan Sagmeister. Poster para los Premios "American Institute of Graphics Arts" New Orleans

Enlaces relacionados:
www.sagmeister.com
www.thingsihavelearnedinmylife.com

Rodin en Madrid II: Los burgueses de Calais

2009-02-23T20:37:00.005+01:00

Continuando en los exteriores del CaixaForum de Madrid con la exposición de Auguste Rodin, les muestro las piezas pertenecientes al Monumento de "Los burgueses de Calais". Obras inmensas de una fuerza increíble. Mucha historia rodea esta serie realizada para conmemorar el heroísmo de seis ciudadanos de esa ciudad en el asedio de los ingleses en 1347, que como símbolo de rendición se ofrecieron a entregar las llaves de la ciudad al Rey de Inglaterra. Así, los personajes son una muestra de derrota, resignación y muerte.

Pero también las piezas son una verdadera clase de anatomía, Rodin se aprovecha, como los genios, de su depurada técnica para hacernos cómplices del sentimiento de sus personajes, para comprometernos con ellos. Tampoco podemos dejar de lado el resultado de las obras. Sus figuras se asientan firmes, pero no posan y aunque con su gestualidad, esboza aparentemente los detalles, es capaz de dibujar cada músculo con total precisión.

Personalmente, ha sido increíble, como me viene sucediendo últimamente, poder enfrentarme con artistas y obras que fueron mis primeras referencias artísticas y que solo podía ver en fotografías. Especialmente en el caso de Rodin, para el que quiera conocer la esencia escultórica, siempre será un autentico Maestro y esculturas como "El pensador" y "Los burgueses de Calais" que he querido compartir con ustedes, siempre estarán para demostrarlo.

Saludos, Salud y Suerte. ¡Nos vemos pronto!

ACTUALIZACIÓN (24 de febrero)
Hola a todos... Hoy muchos blogs, entre los que se encuentra este magazine, tiene problemas para agregar comentarios. De modo que nuestra querida y admirada amiga Pilar Álamo ha enviado vía email sus siempre buenas palabras, que por su interés y valor reproduzco a continuación:

"El puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia para el rey Eduardo III de Inglaterra,por su posición estratégica. En 1346, tras la batalla de Crécy quiso tomar la ciudad y después de varios intentos fracasados el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año, de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad. Al final el rey se ofreció a respetar la vida de los habitantes de la ciudad si seis hombres notables , en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos. Los nombres de estas personas eran Eustache de Saint-Pierre, Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean d'Aire. Convencido por sus caballeros y su esposa les liberó.

Perdona que me haya extendido , pero esta escultura en conjunto tiene algo muy especialque me emociona: es una representación tanto individual de cada personaje como de conjunto y narra un instante específico congelado en el tiempo, Es un auténtico espectro de, sentimientos, pensamientos y decisiones.

Un abrazo YOel, me ha parecido precioso tu reportaje."

Imágenes:
01- Auguste Rodin. "Los burgueses de Calais". Pierre de Wissant, 1887.
02- Auguste Rodin. "Los burgueses de Calais". Pierre de Wissant (detalle), 1887.
03- Auguste Rodin. "Los burgueses de Calais". Jean de Fiennes, hacia 1887.
04- Auguste Rodin. "Los burgueses de Calais". Eustache de Saint Pierre. 1887.
05- Auguste Rodin. "Los burgueses de Calais". Eustache de Saint Pierre (detalle). 1887.
06- Auguste Rodin. "Los burgueses de Calais". Andrieu d'Andres. 1887.
07- Auguste Rodin. "Los burgueses de Calais". Andrieu d'Andres (detalle). 1887.
08- Auguste Rodin. "Los burgueses de Calais". Jean d'Aire. 1887.
09- Auguste Rodin. "Los burgueses de Calais". Jacques de Wissant. 1888.
10- Auguste Rodin. "Los burgueses de Calais". Jacques de Wissant (detalle). 1888.
11- Auguste Rodin. "Los burgueses de Calais". Jacques de Wissant (detalle). 1888.

Datos de la exposición:
Esculturas de Auguste Rodin instaladas en CaixaForum.
Fecha: del 20 de febrero al 22 de marzo de 2009
Lugar: Paseo del Prado, 36. Madrid

Enlaces relacionados:
Auguste Rodin en Wikipedia >>
Museo Rodin de París >>
Sitio oficial de Exposición. Obra social Fundación "la Caixa" >>
CaixaForum Madrid >>

El Pensador de Rodin: Sin comentarios

2009-02-21T23:55:00.004+01:00

Esta vez las palabras serán pocas... les dejo disfrutar con las imágenes, tanto como lo hicimos teniendo ante nuestros ojos "El Pensador" de Augusto Rodin, al aire libre, frente al CaixaForum de Madrid... Los que puedan, no pierdan la oportunidad de ver esta obra maestra a plena luz del día.. A los que la distancia no se lo permita, espero que sientan, con las fotografías, más cerca la genialidad del maestro.

Nos vemos pronto para continuar con la otra maravilla de la exposición: "Los burgueses de Calais".

¡Saludos, Salud y Suerte!

Imágenes:
Auguste Rodin. "El Pensador". 1903. Bronce. CaixaForum, Madrid.

Datos de la exposición:
Esculturas de Auguste Rodin instaladas en CaixaForum.
Fecha: del 20 de febrero al 22 de marzo de 2009
Lugar: Paseo del Prado, 36. Madrid

RODIN se acerca a Madrid

2009-02-18T23:48:00.002+01:00

Se acerca el 20 de febrero y con ello llegan a Madrid, dos de las obras más importantes esculturas de todos los tiempos: "El Pensador" y "Los Burgueses de Calais" del genio francés Auguste Rodin (1840-1917). De cada una un breve apunte: "Los burgueses de Calais", aunque la conocemos como un conjunto, fueron concebidas en su inicio como obras independientes. Por otro lado, la que hoy conocemos como "El Pensador" se llamó inicialmente "El Poeta" en homenaje a Dante Alighieri dentro de una iniciativa por crear un monumento sobre su famosa "Divina Comedia".

En el Paseo del Prado y patrocinado por la Fundación Caixa Forum, en colaboración con el Museo Rodin de París, tendremos la posibilidad de ver el color de su materia, la gestualidad del modelado, el color del bronce desgastado por el tiempo. "El Pensador" de Rodin es de esas obras universales que conocemos desde pequeños y que siempre deseamos ver alguna vez en nuestras vidas. Pues se acerca la hora y por suerte después de un intenso y largo frío madrileño podremos disfrutarlo de la mejor manera posible: en la calle, a plena luz natural... ¡Estaremos ahí para contarlo! Nos vemos pronto!, Saludos, Salud y Suerte

Datos de la exposición:
Esculturas de Auguste Rodin instaladas en CaixaForum.
Fecha: del 20 de febrero al 22 de marzo de 2009
Lugar: Paseo del Prado, 36. Madrid

Imágenes:
01- Auguste Rodin. "El Pensador". 1880. Bronce. Museo Rodin, París.
02- Rodin (en la escalera) frente al "El Pensador" de yeso. Estrasburgo, 1907.
03- Auguste Rodin. "Los burgueses de Calais". Inaugurada en 1895

Enlaces relacionados:
Auguste Rodin en Wikipedia >>
Museo Rodin de París >>
Sitio oficial de Exposición. Obra social Fundación "la Caixa" >>
CaixaForum Madrid >>

El desgarro de Francis Bacon en el Prado (final)

2009-02-08T18:25:00.003+01:00

- Para Pilar Álamo con mucho cariño -

Continuación de la primera parte >>

La muerte fue casi una obsesión en las pinturas de Francis Bacon, mucho más al tocarle de cerca, incluyendo el suicidio de uno de sus amantes a muy pocos días de una de las primeras retrospectiva con que le honrarían. Como ateo, insistía en que no había "un más allá" y muchas obras señalan ese pequeño paso que separa la vida del inevitable momento de la muerte.

Otra parte interesante es su metodología de trabajo, sobre todo a partir de fotografías, tanto recortes de prensa, fotografías por encargo, o suyas propias, utilizó como referencia, al extremo de preferirlo a los propios modelos en vivo (ver imagen 02). En el caso de los estudios de los retratos del Papa Inocencio X se basó siempre en fotografías y aunque tuvo la posibilidad de ver el original frente a frente, por temor o por respeto prefirió siempre las reproducciones.

Muchas referencias, influencias, retazos, hay en los cuadros de Bacon. Se sabe que de su admiración de Velázquez, Goya, el Greco partieron muchas de sus ideas o inspiración técnica. De los contemporáneos, de Picasso recibió la inyección para cambiar sus oficios anteriores por la pintura y de Amedeo Modigliani, compartía muchas cosas. Personalmente me recordaron o asociaron varias obras o artistas como las vacas degolladas de Rembrandt, el gesto espontáneo y el trazo lineal de Wifredo Lam, las descomposiciones de los cubistas. Bacon se impregnó de todo el enorme recorrido histórico pero también con su particular técnica y visión nos dejó una original obra que sirvió de base para artistas posteriores.

Como me sucede muchas veces no me decanto por ninguna obra, puedo decir que me han gustado todas sus etapas, todos los cuadros, todos los temas. Su caótica, claustrofóbica y desgarradora visión del mundo es justo lo que vivió y que mostró en sus lienzos sin prejuicios con total naturalidad. Eso es admirable. Si por otro lado técnicamente ves un gesto y tratamiento personal e inconfundible, estamos ante la particular visión de otro genio de la pintura. Eso es aún más admirable.

La interminable línea de tiempo de la historia del arte se cerró una vez más. Años atrás él admiraba a los viejos maestros en las paredes del Prado. Hoy nos ha tocado reverenciar a otro maestro: Francis Bacon.

Saludos, Salud y Suerte
¡Nos vemos pronto!

Imágenes: (Amplíe las imágenes dando click encima de las miniaturas)
01- Francis Bacon. "Tres estudios para un autorretrato", 1979. Óleo sobre lienzo, 37.5 x 31.8 cm (cada una). Nueva York, The Metropolitan Museum of Art. The Jacques and Natasha Gelman Collection.
02- Fotomontaje con material del estudio de Bacon, 7 Cromwell Place, c. 1950
03- Francis Bacon. "Retrato de Isabel Rawsthrone de pie en una calle de Soho", 1967. Óleo sobre lienzo, 198 x 147.5 cm. Berlín, Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie.
04- Francis Bacon. "Tríptico inspirado por el poema de T.S. Eliot “Sweeney Agonistes”. 1967. Óleo sobre lienzo, 198 x 147.5 cm. Washington D.C:, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution. Gift of the Joseph H. Hirshhorn Foundation.
05- Francis Bacon. "Tríptico en memoria de George Dyer", 1971. Óleo sobre lienzo, 198 x 147.5 cm (cada uno). Basilea, Fondation Beyeler.
06- Francis Bacon. "Tríptico agosto 1972". 1972. Óleo sobre lienzo, 198 x 147.5 cm (cada uno). Londres, Tate.
07- Francis Bacon. "Tríptico". 1987. Óleo sobre lienzo, 198 x 147.5 cm. Londres, The Estate of Francis Bacon, por cortesía de Faggionato Fine Arts, Londres.
08- Francis Bacon. "Tríptico". 1991. Óleo sobre lienzo, 198.1 x 147.6 cm (cada uno). The Museum of Modern Art. NY. William A. M. Burden Fund and Nelson A. Rockefeller Bequest Fund.

Enlaces relacionados:
Sitio oficial de Exposición Museo del Prado (incluye vídeo) >>
Francis Bacon en Wikipedia >>

El desgarro de Francis Bacon en el Prado (I)

2009-02-07T23:22:00.003+01:00

Llegó el día y hemos visitado la retrospectiva de Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 1909 –Madrid, España, 1992) en el Museo Nacional del Prado. Todavía siento en el cuerpo su crudeza y energía, casi seguro que durará toda la vida. Sesenta obras de tanta fuerza desde las primeras hasta algunas de las últimas dan para mucho. Sales conociendo más el espíritu Bacon, esas partes oscuras y difíciles con las que tuvo que lidiar y que fueron el germen de su pensamiento y su arte.

Las devastadoras consecuencias de la guerra y la postguerra, su condición sexual y visión de la realidad marcaron su pintura, tanto como marcaron su vida. El poder, la crueldad, el desespero, la violencia y la muerte unido a sus propios padecimientos fueron una mezcla explosiva que no tardó en detonar en sus cuadros y lo retrató, como pocos. Los cuadros vistos en el Prado, son como las mejores fotografías de la época.

La exposición nos hace recorrer las varias etapas de su obra y ver como se recicló varias veces, retomando los temas que había abordado en épocas anteriores, incorporando las crudas lecciones, la experiencia y las marcas del transcurso de los años.

En la muestra recorremos todos sus temas como la crucifixión, el desnudo, el retrato y el autorretrato. Llama la atención la constante utilización del tríptico como formato, difícilmente en un solo cuadro podría brindarnos todo el potencial creativo que quería, quizás por la influencia fotográfica o cinematográfica.

(continuará)

Imágenes:
01- Entrada a Exposición de Francis Bacon. Museo del Prado. Madrid. Foto: YOel Almaguer.
02- Francis Bacon. "Tres estudios de figuras al pie de una Crucifixión". c. 1944. Óleo sobre tablero, 94 x 73.7 cm (cada tabla). Londres, Tate. Presentada por Eric Hall 1953.
03- Francis Bacon. "Chimpancé". 1955. Óleo sobre lienzo, 152.5 x 117 cm. Stuttgart, Staatsgalerie.
04- Francis Bacon. "Niño paralítico andando a gatas". 1961. Óleo sobre lienzo, 198 x 142 cm. La Haya, Colección Gemeentemuseum Den Haag.
05- Francis Bacon. "Tres estudios para una Crucifixión". 1962. Óleo sobre lienzo, 198.2 x 144.8 cm. Nueva York, Solomon R, Guggenheim Museum.

Enlaces relacionados:
Sitio oficial de Exposición Museo del Prado (incluye vídeo) >>
Francis Bacon en Wikipedia >>

Francis Bacon regresa a Madrid

2009-01-31T14:56:00.006+01:00

Ha llegado la fecha y Francis Bacon vuelve a ser noticia... El pintor que nos habla de la muerte, del suicidio, nos retrata desgarradoramente tal como somos: vive y se pasea -como de costumbre- desde el próximo día 3 de febrero, por las salas del Museo del Prado de Madrid y estará con nosotros cuando pronto, muy pronto, visitemos su retrospectiva.

Hoy El País nos regala el recuerdo de una entrevista que le realizó el escritor y periodista Juan Cruz en el año 1991. Una conversación increíble, donde se ve el mejor retrato posible del pensamiento y la personalidad de Bacon, su posición ante el arte, los artistas, sus obras, la realidad y su realidad, la subjetividad y mucho más... Altamente recomendable y para que el regalo sea mayor nos permiten descargarla en PDF, tal como fue editado en su momento, sin dudas, una joya de hemeroteca, un excelente aperitivo a lo que nos espera.

Les dejo una comparativa de dos obras, la original de Velázquez y uno de los estudios que realizó Bacon sobre la obra y que gracias a la entrevista, conozco como curiosidad que no quiso conocer el lienzo original en una visita a Roma, sino que los realizó a partir de reproducciones... Solo un genio podía interpretar una obra como esa y recontextualizarla magistralmente con tanto acierto.

Pronto visitaremos la muestra, así que podrán conocer mi opinión de una exposición que esperaba con impaciencia.

Saludos, Salud y Suerte. ¡Nos vemos pronto!

Imágenes:
01- Francis Bacon. "Estudio del retrato del Papa Inocencio X de Velázquez", 1953. Óleo sobre lienzo. Colección del Des Moines Art Center
02- Diego Velázquez. "Retrato de Inocencio X". 1650.
Óleo sobre lienzo. Galería Doria Pamphili, Roma.

Enlaces relacionados:
Post de Juan Cruz en su blog "Mira que te lo tengo dicho" >>

Datos de la Exposición:
Francis Bacon
Lugar: Museo Nacional del Prado, Madrid.
Fecha: 3 de febrero – 19 de abril 2009
Comisaria: Manuela Mena.
web oficial: www.museodelprado.es

Los nuevos ojos del Prado

2009-01-24T23:30:00.010+01:00

El Museo Nacional del Prado de Madrid se ha convertido en el primer museo del mundo en facilitar imágenes de "super alta resolución" (14 gigapixels) de algunas de las más importantes obras de su colección, en colaboración con el gigante Google. La noticia ya no es nueva, pero desde que lo dieron a conocer, he podido disfrutar de los impresionantes detalles que se muestran en ellos.

Siempre decimos que no hay nada como ver las obras frente a frente, pero hay que valorar como excelente el trabajo que han realizado, ya no solo para los que no pueden visitar el Prado, sino a aquellos que lo hacemos, pero que regularmente por normativas ¿lógicas? de seguridad, no nos dejan acercarnos a esos 10-15 cm a "comernos" los cuadros, para fijarnos en el sentido y el ritmo de la pincelada, el grosor de la pasta y las diferentes texturas que con tanto esfuerzo dejaron los genios para nosotros. En otras ocasiones por las dimensiones de los cuadros es imposible poder ver aquellos fragmentos que quedan lejos de nuestro alcance visual.

En cuanto a las imágenes que les muestro, he escogido uno de los detalles en los cuales la mayoría de las oportunidades me detengo: los ojos. Siempre he sido un apasionado de esa parte del rostro que muchas veces es el espíritu de la obra, muestra la psicología de los personajes y sirve al artista como recurso para crear complicidad y dialogar con el espectador. Así que les dejo con un recorrido por algunos de los nuevos ojos del Prado, esos que gracias a la iniciativa podemos tener a nuestro alcance en cualquier momento. No se pierdan las ampliaciones de las fotografías y si pueden, mejor aún, consultarlas en Google Earth.

¡Nos vemos pronto!
Saludos, Salud y Suerte

Imágenes:
01- Roger van der Weyden. El Descendimiento. h-1435. Óleo s/ tabla
02- Alberto Durero. Autorretrato. 1498. Óleo s/ tabla
03- Rafael Sanzio. El Cardenal. h-1510. Óleo s/ tabla
04- El Greco. El caballero de la mano en el pecho. h-1580. Óleo s/ lienzo
05- Rembrandt van Harmensz. Artemisa. 1634. Óleo s/ lienzo
06- Pedro Pablo Rubens. Las tres Gracias. h-1635. Óleo s/ tabla
07- Diego Velázquez. La familia de Felipe IV, o Las Meninas. h-1656. Óleo s/ lienzo
08- Giambattista Tiepolo. Inmaculada Concepción. 1767-1769. Óleo s/ lienzo
09- Francisco de Goya. El 3 de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío. 1814. Óleo s/ lienzo

© Museo del Prado/Google

Enlaces relacionados:
Página dedicada a la colección en el Museo del Prado >>
Descarga de Google Earth (software necesario) >>
Acceso a las obras Google Maps (sitio promocional) >>
Making of de la realización de las fotografías >>

Andrew Wyeth: Homenaje

2009-01-17T23:14:00.007+01:00

El viernes pasado fue un día triste para el arte. Andrew Wyeth (1917-2009), uno de los más grandes pintores norteamericanos del siglo XX, falleció en Filadelfia dejando una gran obra como legado.

Supe de Wyeth desde mis años de estudiante al leer una entrevista con el gran paisajista cubano Tomás Sánchez, donde hablaba de la influencia que había recibido de su obra. Pero no conocí su primer cuadro hasta mi visita al MoMA, que al ver desde lejos "Christina's World" reconocí de inmediato que ese era el autor que hablaba Tomás. Un cuadro hermoso, que destacaba por el punto de vista desde donde estaba "fotografiada" la obra, que hacía pensar que el artista se había "tirado" en la hierba para retratarlo desde ese angulo tan original, como un contrapicado cinematográfico. Años más tarde conocí la historia de la obra que la hace aún más profunda. La protagonista es Christina Olson que aparece en otros de sus cuadros y que padecía una enfermedad que le impedía caminar bien, mostrando de esta manera el padecimiento que sufre por llegar a su casa que ve a lo lejos.

Pero el catálogo de buenas obras de Wyeth es interminablemente increíble, sus aportes más sustanciales creo fueron, exprimir al máximo las tan difíciles y subvaloradas técnicas de la acuarela y la tempera y hacerlo con paisajes y escenas cotidianas que son el retrato de las zonas más rurales del Este norteamericano. Pero también sus obras están llenas de una fuerte carga de melancolía y soledad, de un "realismo mágico" como muchos lo definían. No obstante la precisión casi fotográfica, incluido los toques monocromáticos, nunca nos aleja de estar ante una gran pintura y sobre todo ante un gran pintor, el gran pintor que ha dejado una genial huella con su obra. Hoy mi homenaje para Andrew Wyeth.

Imágenes:
01- Andrew Wyeth. "Christina's World". Tempera/yeso sobre madera. 1948. MoMA. NY.
02- Andrew Wyeth. "Christina Olson". Tempera. 1947.
03- Andrew Wyeth. "Turkey Pond", 1944. Tempera en panel. Farnsworth Art Museum.
04- Andrew Wyeth. "Trodden Weed", 1951. Philadelpia Museum of Art.
05- Andrew Wyeth. "Distant Thunder", 1961. Col. Priv.
06- Andrew Wyeth. "Weatherside", 1965.
07- Andrew Wyeth. "Sea Boots", 1976.
08- Andrew Wyeth. "Overflow", 1978.
09- Andrew Wyeth. "Adrift", 1982.
10- Andrew Wyeth. "Marriage", 1993.

Enlaces relacionados:
www.andrewwyeth.com
Andrew Wyeth en Wikipedia (inglés) >>
Historia de "Christina's World" en Wikipedia >>

Historias de Rembrandt en Madrid - II (Final)

2009-01-07T23:14:00.000+01:00

continuación de la primera parte >>

Otra historia de la exposición "Rembrandt. Pintor de Historias" que comenzamos ayer, es el atrevimiento (quizás ya permitido para un pintor de su celebridad en la época) de las obras de su última etapa, ya poco le importaba el resultado final en las áreas que poco aportaran al concepto general, solo las esbozaba, las planteaba con amplias y abiertas pinceladas, para concentrarse en las zonas donde la luz era más intensa, las pastas más gruesas y sobre todo donde quería destacar la carga psicológica, una de las razones que convierten a Rembrandt en uno de los artistas imprescindibles. En su momento imagino -solo imagino- se viera como simples descuido o abandono del pintor hacia los detalles menos importantes, pero muchas veces la expresión y la gestualidad espontanea nos recuerda que el arte se recicla y pensando en voz alta puedo decirles que mucho me recordó el espíritu impresionista que paradógicamente escandalizaría al mundo siglos después.

Otra historia es su influencia de Peter Paul Rubens (Alemania 1577- Bélgica 1640), otro genio. Sobre todo en "La Sagrada Familia con ángeles" (1645) se tiene la posibilidad de comparar una al lado de la otra el tratamiento que ambos artistas le dieron a la misma escena. Creo que en injusto juzgar cual de las obras es mejor o por lo menos más atractiva; aunque separado el esplendor de ambos por pocos años, fueron momentos y olores diferentes. Solo se puede agradecer tener la posibilidad de confraternizar ambas ideas de composición y estructuras, colores, luces y psicología.

Tal vez las historias contadas, no sean las que se definen en el título de la exposición, solo quería poner aquellas que llamaron mi atención. Ya comentaba tiempo atrás, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt, sólo Rembrandt. Pese a los tropiezos en el museo, para mí Rembrandt es más grande, aún más grande. No por gusto al salir ya no llovía, Rembrandt será siempre sinónimo de luz y color.

Imágenes:
01- "Descanso en la huida a Egipto", 1647. Óleo sobre tabla
Colección National Gallery of Ireland. Dublín.

02- "La Sagrada Familia con ángeles", 1645. Óleo sobre lienzo
Colección The State Hermitage Museum, San Petersburgo.

03- "Betsabé". 1654. Óleo sobre lienzo
Colección Musée du Louvre, París

04- "El apóstol Bartolomé". 1657. Óleo sobre lienzo
Colección The Timken Museum of Art, San Diego, CA.

05- "Autorretrato como Zeuxis o como Demócrito". 1667-68. Óleo sobre lienzo
Fundación Corboud Colonia, Wallraf-Richartz Museum

Imágenes tomadas de web de la Exposición del Museo del Prado y otras fuentes

Enlaces relacionados:
Sitio oficial de la Exposición. Museo Nacional del Prado. Madrid >>
Rembrandt en Wikipedia >>
Pinturas de Rembrandt >>

Historias de Rembrandt en Madrid - I

2009-01-06T23:18:00.014+01:00

Después de posponer muchas veces la visita, el pasado sábado fuimos a la exposición "Rembrandt. Pintor de Historias" en el Museo del Prado de Madrid, bueno esta vez podemos decir: en un decepcionante Museo del Prado. Hasta algunos de sus empleados se mostraban abrumados por tal desorganización y maltrato al impaciente público, para colmo en una mañana de inoportuna lluvia fría madrileña y al precio de 8 euros. Imaginamos que sería mucho peor para aquellos que al salir nosotros, esperaban en la enorme fila como hormigas sedientas de devorar el arte. Disculpen la introducción extra artística pero no podía dejar de comentarlo desde mi humilde tribuna, tratándose de un museo tan prestigioso. Esta fue la primera historia de la exposición. Lamentable. Pero siempre nos quedaba Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Leiden 1606 - Amsterdam 1669). Cuando sales de la exposición, sabes que era una cita a la que no podías faltar, que las verdaderas historias estaban en los cuadros, en las historias contadas por una de las manos más prodigiosas de la Historia del Arte, del holandés más universal.

Otra historia que vas descubriendo es cuanto talento innato guardaba el gran Rembrandt. Solo un genio es capaz con tan corta edad realizar cuadros de tanta madurez. Sus autorretratos de joven ya auguran obras de una reflexión interior poco común. El resto de las obras son igualmente increíbles para su edad. Les confieso que como nunca antes me había detenido obra por obra asombrándome de la fecha de los cuadros. Asombrense también: "La Lapidación de San Esteban" (1625), "La expulsión de los mercaderes del templo" (1626), "La discusión entre San Pedro y San Pablo", (1628); "Judas devolviendo las 30 monedas de plata" en 1629 ya con sus amarillas luces y contraluces, "Jeremías lamentando la destrucción de Jerusalén" (1630), ... "Artemisa", 1634!! si, esa única obra de la colección de El Prado la realizó con apenas 28 años. No insisto para no agobiarlos con fechas, solo que esta vez los datos no son insignificantes, son muestra evidente de la precocidad de Rembrandt.

Otra historia son sus soportes y medios: No imaginé que utilizará la tabla como soporte durante tanto tiempo, sobre todo en sus trabajos iniciales, su gusto y dominio fue tan grande que más adelante repitió muchas veces. Fue capaz de sacarle a la madera tanto como a los lienzos. Pequeñas o grandes las telas, ya son conocidas y reconocidas, al igual que sus grabados - aguafuertes o punta seca en la exposición- donde la factura de las obras es fuente de inspiración para los artistas posteriores. Pero sus trabajos en madera me sorprendieron gratamente.

Por lo extenso de mis consideraciones, he preferido dividir en dos post el desarrollo de las historias. Espero nos acompañen, así que...

¡Mañana Más!
Saludos, Salud y Suerte!

Imágenes:
01- Cartel exterior de la Exposición. Museo del Prado, 2009
02- "Autorretrato con traje oriental", 1631. Óleo sobre tabla.
Colección Musée des Beaux Arts de la Ville de Paris
03- "La discusión entre San Pedro y San Pablo". 1628. Óleo sobre tabla.
Colección The National Gallery of Victoria, Melbourne.
04- "Jeremías lamentando la destrucción de Jerusalén", 1630. Óleo sobre tabla.
Colección Amsterdam, Rijksmuseum
05- "Artemisa", 1634. Óleo sobre lienzo.
Colección Museo Nacional del Prado, Madrid.
06- "El banquete de Baltasar", 1635. Óleo sobre lienzo.
Colección Londres, National Gallery.

Enlaces relacionados:
Sitio oficial de la Exposición. Museo Nacional del Prado. Madrid >>
Rembrandt en Wikipedia >>

2008 ya es historia

2008-12-31T18:10:00.004+01:00

Ante todo desearles a todos los lectores Muchas Felicidades y sobre todo mucha salud, esa que no nos acompañó del todo este año y que por ese motivo nunca olvidaré. Como casi todos los años, acabamos siempre con los mismos titulares en los medios; por suerte muchos blogs nos refrescan de esas malas noticias con sabiduría y nuevos puntos de vista. En este empeño comenzamos en agosto pasado este Magazine para tratar de acercarles y compartir todo aquello que transcurre entre lo que hemos aprendido y lo que vamos aprendemos en este camino.

Y como de resumen se trata, quiero hacerlo con una parte de aquello que durante este tiempo escapó de las selecciones que hicimos , tomando la frase de mi gran amigo Dayron Portela (también iniciado como bloggero) hoy les presentamos los "trazos y retazos" que tristemente la tijera tuvo que recortar para no hacer muy largos los post... Como comprobarán son obras tan inteligentes, novedosas, famosas o desconocidas, pero afortunadamente tan trascendentes como aquellas que fueron publicadas.

Esta vez, como espero que todos estos artistas, diseñadores sean tan amigos y conocidos para ustedes por haberlos tratado en nuestras entradas, sus nombres los relacionaremos como se merecen, no por sus nombres completos, sino tal como los conocemos coloquialmente; con todo respeto simplemente como:
01- Lam
02- Duchamp
03- Irma
04- Hansen
05- Olaf
06- Yamila
07- Dylan Cole
08- Magritte
09- Red Nose
10- Segal
11- Tamioka
12- Van Gogh
13- Oldenburg
14- Cundo
15- Estes
16- Picasso
17- Bacon
18- Close
19- Frida

Gracias por visitarnos y por sus comentarios. ¡Nos vemos en el 2009!
Saludos, Salud y Suerte!

Navidades con mucho color

2008-12-20T21:40:00.007+01:00

Les confieso que las navidades son de poco interés y atractivo para mí. En los años en Madrid no salgo de mi mayúsculo asombro cada vez que veo los enormes gastos en iluminación y regalos que llenan estas fechas. Comprendo que para muchos es una gran ilusión y uno de los momentos especiales que esperan cada año para desconectar de todo el esfuerzo, pero creo que nunca veré con buenos ojos estos gastos, por aquello tan básico de que (con excepciones como todo) lo que sobra para unos, falta para otros.

En los últimos años, por motivos de trabajo y como regalo para mis amigos, casi a regañadientes al inicio, poco a poco he incursionado en el diseño de felicitaciones navideñas y como muchas veces ocurre al tratarse al final de ilustraciones y de tener libertad para crear, le he cogido el gusto y ya es algo que hago realmente con mucho placer.

Así que para los que gustan (o no) de la Navidad y para todos los que han seguido en el año nuestro magazine, les dejo junto a mi Balo, una serie de felicitaciones exclusivas en la cual pueden escoger su color, deseándole un buen fin de año y sobre todo mucha salud en el 2009.

¡Nos vemos pronto!

Imágenes:
Ilustraciones: YOel Almaguer.

Más de autorretratos: Egor Bashakov

2008-12-18T20:25:00.000+01:00

Sin ánimo de aburrirlos con el tema, me encontrado esta semana con la obra del artista, ilustrador y diseñador ruso Egor Bashakov, que principalmente por lo originalidad de su obra y en parte gracias a internet y sobre todo a los blogs, su autorretrato ha dado la vuelta al mundo.

La serie llamada "State of Mine" está meticulosamente realizada utilizando 2700 pines con símbolos, iconos y referencias personales que mediante los diferente tonos de grises van conformando el dibujo del retrato. La pieza reflexiona acerca de sus propios pensamientos y como plantea desde el mismo título, hace referencia a esos estados mentales y físicos que tenemos en los diferentes momentos y espacios de la vida.

Una obra digna de saborear y que quería compartirla con todos ustedes como complemento a los post de autorretratos que tratamos la pasada semana. Ya les había prometido que por el interés que despertaron, alguna que otra vez iré posteando otras obras.

¡Nos vemos pronto!

Imágenes:
Egor Bashakov. "State of Mine". Pines sobre plywood. 2008
© 2008. Egor Bashakov

Enlace:
Galería de Egor Bashakov en Flickr >>
Portafolio de Egor Bashakov en Béhance Network >>